COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

NOCES IMPUDIQUES. Comme Shakespeare, Patricia Allio croit que nous sommes de l’étoffe dont les rêves sont faits. À partir des oeuvres de l’Américaine Kathy Acker, écrivaine punk et queer, elle crée un objet de rêve, un projet protéiforme qui tient à la fois du théâtre, du concert et du cinéma : Life is but a dream # 1, inspiré librement des audaces formelles de Sang et stupre au lycée de Acker et enrichi de matériaux sonores collectés à New York. Artiste pluridisciplinaire, Allio prolonge l’esprit subversif de l’icône chic et destroy de la scène alternative new-yorkaise des années 1990, reconnue pour ses pillages des grands mythes romanesques. Sur fond post-apocalyptique, marqué par la révolution, elle conçoit un espace scénographique en mutation constante et fait s’entremêler les langages de la scène et ceux de l’image en adjoignant au projet scénique la réalisation de courts métrages. Gommage de la frontière entre fiction et vérité, cohabitation de la poésie visuelle et du théâtre, fertilisation mutuelle de la mythologie et du réalisme, la notion de genre se fait poreuse et l’art performatif déployé ici est dominé par l’hybridité. Allio et Acker sont à cet égard de véritables soeurs de sang et leurs épousailles scéniques prennent l’allure de noces impudiques.

À Partir De “Sang Et Stupre Au Lycée” De Kathy Acker
Mise En Scène : Patricia Allio
Vidéaste : Gaëtan Besnard
Créateur Lumières : Joël L'hopitalier
Ingénieur Son : Olivier Le Brouder
Compositeur Sonore Et Musicien : Mikaël Plunian
Vidéaste : Guillaume Robert
Avec : Geoffrey Carey Acteur, Catherine Corringer, Mélanie Leray, Niconote 
Coproduction : Parc De La Villette – Résidences D’artistes
Avec Le Concours Du Ministère De La Culture– Drac Bretagne Dicréam
Avec L’appui De Culturesfrance, Consulat général de France à Québec

ENJOY THE SHOW! Obscène? Non, lucide. Le chorégraphe Dave St-Pierre n’est ni un provocateur ni un romantique attardé. Entre discipline et chaos, ce perturbateur des conventions de la scène, destroy et trash, ose la dérision la plus kitsch et le sentimentalisme le plus retors pour débusquer quelques vérités dérangeantes sur notre rapport à l’amour et à la tendresse. S’il ne se refuse aucune image forte, aucune mise à nu, aucun travestissement grotesque, rien dans sa démarche n’est gratuit. Dans Un peu de tendresse bordel de merde, deuxième volet, après La Pornographie des âmes, de sa trilogie Sociologie et autres utopies contemporaines, St-Pierre met en scène des handicapés du coeur, qui s’accrochent comme des noyés à des bouées qui ont tôt fait de couler avec eux. Sa mise en scène catapulte une vingtaine de danseurs/ acteurs, hommes barbus et nus, grandes folles aux perruques blondasses, femmes en robe synthétique, dans une confrontation jusqu’au-boutiste avec l’épuisement. Loin des conventions et des dogmes, le théâtre dansé de Dave St-Pierre, tout de fulgurances et de désolations, fait de la représentation un nerf à vif.

En collaboration avec Eugénie Beaudry, Enrica Boucher, Geneviève Bélanger, Luc Boissonnault, Emmanuelle Bourassa-Beaudoin, Julie Carrier, Karina Champoux, Francis Ducharme, Silke Grabinger, Renaud Lacelle-Bourdon, Sarah Lefebvre, Alexis Lefebvre, Simon-Xavier Lefebvre, Camille Loiselle-D'Aragon, Gabriel Lessard, Julie Perron, Eve Pressault-Chalifoux, Aude Rioland, Eric Robidoux, Sophie Dalès
Textes : Enrica Boucher
Direction technique et lumières : Alexandre Pilon-Guay
​Coproduction: Usine C (Montréal), Agora de la danse (Montréal), Maison de la culture Frontenac (Montréal), Sommer Szene Salzburg, JuliDans Amsterdam, Scène Québec, Centre national des Arts (Ottawa), Mouson Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt; Dance festival Munich, Théâtre Sévelin 36 Lausanne

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

NOCES IMPUDIQUES. Comme Shakespeare, Patricia Allio croit que nous sommes de l’étoffe dont les rêves sont faits. À partir des oeuvres de l’Américaine Kathy Acker, écrivaine punk et queer, elle crée un objet de rêve, un projet protéiforme qui tient à la fois du théâtre, du concert et du cinéma : Life is but a dream # 1, inspiré librement des audaces formelles de Sang et stupre au lycée de Acker et enrichi de matériaux sonores collectés à New York. Artiste pluridisciplinaire, Allio prolonge l’esprit subversif de l’icône chic et destroy de la scène alternative new-yorkaise des années 1990, reconnue pour ses pillages des grands mythes romanesques. Sur fond post-apocalyptique, marqué par la révolution, elle conçoit un espace scénographique en mutation constante et fait s’entremêler les langages de la scène et ceux de l’image en adjoignant au projet scénique la réalisation de courts métrages. Gommage de la frontière entre fiction et vérité, cohabitation de la poésie visuelle et du théâtre, fertilisation mutuelle de la mythologie et du réalisme, la notion de genre se fait poreuse et l’art performatif déployé ici est dominé par l’hybridité. Allio et Acker sont à cet égard de véritables soeurs de sang et leurs épousailles scéniques prennent l’allure de noces impudiques.

À Partir De “Sang Et Stupre Au Lycée” De Kathy Acker
Mise En Scène : Patricia Allio
Vidéaste : Gaëtan Besnard
Créateur Lumières : Joël L'hopitalier
Ingénieur Son : Olivier Le Brouder
Compositeur Sonore Et Musicien : Mikaël Plunian
Vidéaste : Guillaume Robert
Avec : Geoffrey Carey Acteur, Catherine Corringer, Mélanie Leray, Niconote 
Coproduction : Parc De La Villette – Résidences D’artistes
Avec Le Concours Du Ministère De La Culture– Drac Bretagne Dicréam
Avec L’appui De Culturesfrance, Consulat général de France à Québec

ENJOY THE SHOW! Obscène? Non, lucide. Le chorégraphe Dave St-Pierre n’est ni un provocateur ni un romantique attardé. Entre discipline et chaos, ce perturbateur des conventions de la scène, destroy et trash, ose la dérision la plus kitsch et le sentimentalisme le plus retors pour débusquer quelques vérités dérangeantes sur notre rapport à l’amour et à la tendresse. S’il ne se refuse aucune image forte, aucune mise à nu, aucun travestissement grotesque, rien dans sa démarche n’est gratuit. Dans Un peu de tendresse bordel de merde, deuxième volet, après La Pornographie des âmes, de sa trilogie Sociologie et autres utopies contemporaines, St-Pierre met en scène des handicapés du coeur, qui s’accrochent comme des noyés à des bouées qui ont tôt fait de couler avec eux. Sa mise en scène catapulte une vingtaine de danseurs/ acteurs, hommes barbus et nus, grandes folles aux perruques blondasses, femmes en robe synthétique, dans une confrontation jusqu’au-boutiste avec l’épuisement. Loin des conventions et des dogmes, le théâtre dansé de Dave St-Pierre, tout de fulgurances et de désolations, fait de la représentation un nerf à vif.

En collaboration avec Eugénie Beaudry, Enrica Boucher, Geneviève Bélanger, Luc Boissonnault, Emmanuelle Bourassa-Beaudoin, Julie Carrier, Karina Champoux, Francis Ducharme, Silke Grabinger, Renaud Lacelle-Bourdon, Sarah Lefebvre, Alexis Lefebvre, Simon-Xavier Lefebvre, Camille Loiselle-D'Aragon, Gabriel Lessard, Julie Perron, Eve Pressault-Chalifoux, Aude Rioland, Eric Robidoux, Sophie Dalès
Textes : Enrica Boucher
Direction technique et lumières : Alexandre Pilon-Guay
​Coproduction: Usine C (Montréal), Agora de la danse (Montréal), Maison de la culture Frontenac (Montréal), Sommer Szene Salzburg, JuliDans Amsterdam, Scène Québec, Centre national des Arts (Ottawa), Mouson Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt; Dance festival Munich, Théâtre Sévelin 36 Lausanne

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

COLLIER DE PERLES. À la fois danseuse d’histoires et conteuse de gestes, la chorégraphe torontoise Sarah Chase a incorporé la parole à ses oeuvres au gré de ses créations, élaborant de façon douce et intime une poétique de la mémoire, liée à des souvenirs d’enfance, à l’évocation de parents ou de voisins immédiats, au récit de ténues et vibrantes expériences qui projettent le quotidien dans l’espace de l’enchantement.  On voit ses oeuvres comme on feuillette les carnets d’esquisses d’une vie peuplée d’anecdotes et d’observations, de récits et de fables. Elle défait la brillance du mouvement pour capter, dans la fluidité d’une danse en apparence nonchalante, mais chargée d’affects, quelques précieuses parcelles de réalité. Avec A Certain Braided History, création dansée en duo avec Andrea Nann et qui retrace l’histoire de leur amitié tardive, et The Disappearance of Right and Left, créée pour Peggy Baker, elle accède à une grande vérité intérieure où le corps fait du transitoire et de la légèreté des lieux d’être. Éloignées des écritures chorégraphiques courantes, ces « miniatures » sont de délicieuses perles, d’une simplicité désarmante, espiègles et malicieuses. 

Conception et mise en scène : Sarah chase
Chorégraphie, développement et interprétation : Sarah chase, Andrea nann
Confection des costumes : Heather maccrimmon
Musicien: Peter elkas
Une commande de Dreamwalker dance company (toronto)

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

VIVARIUM FAMILIAL. Si un battement d’aile de papillon peut engendrer des tornades des milliers de kilomètres plus loin, les relations que l’on entretient avec notre famille proche ou élargie, avec notre histoire et notre mémoire sont en lien direct avec ceux que l’on a avec l’écosystème. Cela ne fait aucun doute aux yeux de Daniel Brooks et de Chris Abraham. Avec The Eco Show, cette folle histoire familiale qui contient multiples tiroirs et doubles-fonds, Brooks signe une fable écologique qui étudie avec humour les milieux où vivent les êtres vivants et les rapports de ces êtres avec les autres représentants de leur espèce. En cette époque où les questions d’environnement font chaque jour la première page des journaux, Hamm et les siens, saisis dans leur habitat naturel déséquilibré, observés dans le vivarium de l’ironiste Daniel Brooks, sentent bien que le climat n’est pas à la fête, mais se disent qu’après tout vaut mieux en rire. Lié à des productions marquantes comme The Lorca Play, Insomnia, Cul-de-sac et Half Life, toutes présentées au FTA, Brooks s’adjoint la figure montante qu’est Chris Abraham pour le nouvel opus de la Necessary Angel Theatre Company, groupe de création convaincu que le théâtre est un art social et profondément politique, un divertissement essentiel pour un monde au bord du gouffre.

Texte : Daniel brooks
Mise en scène : Chris abraham, Daniel brooks
Concepteurs : Ben chaisson, Richard feren, Julie fox, Andrea lundy
Distribution : Richard clarkin, Joe cobden, Fiona highet, Jenny young

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

TISSER DES LIENS. En 1999, Laurentio, le chasseur de la région d’Igloolik au Nunavut, conteur et acteur, qui pratique la danse à tambours des Inuits, rencontre Geneviève, la danseuse, improvisatrice et performeuse, désireuse de bâtir des ponts et de montrer sur scène ce qui peut unir les pratiques artistiques boréales à celles de Montréal. Uqquaq, L’Abri scelle une rencontre et en retrace l’histoire. Pendant qu’un documentaire est projeté se tissent sur scène les fils de la tente qui va les abriter. Comme deux chenilles, Geneviève et Laurentio filent ensemble un doux cocon et sont eux-mêmes les brins de coton, de peau de phoque et de laine qui forment leur chrysalide, lieu de leur réunion, marqué par la cohabitation de codes et de légendes, par la rencontre de la danse moderne, d’un conte en Inuktitut et d’une séquence de drum dance, de moments où elle revêt d’écheveaux de laine une structure de cordes tandis qu’il prépare la corde en peau de phoque qui servira de base à l’abri. Représentation impure, hybride, mixte, à la croisée des cultures, des pratiques et des sensibilités, Uqquaq, L’Abri est un formidable antidote à la frilosité et au repli identitaire.

Concepteurs et performeurs : Geneviève pepin, Laurentio q. Arnatsiaq

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

MILITANTE CORPS ET ÂME. Inspiré du livre Devant la douleur des autres de Susan Sontag, Incarnat de Lia Rodrigues est une oeuvre d’un rouge clair et vif qui met en scène des êtres de chair et de sang et qui interroge la nature des rapports que nous entretenons avec la douleur des autres. Chorégraphe et fondatrice du Festival Panorama Rio Arte Dança, Lia Rodrigues se distingue sur la scène brésilienne par son engagement politique et par une relation aux publics défavorisés, qui a conduit sa compagnie à présenter ses créations, à la croisée de la danse, des arts plastiques et de la performance, dans les régions les plus reculées du Brésil. Tout comme l’essai qui l’a inspiré, Incarnat est un plaidoyer en faveur de l’engagement. À l’heure où une exposition fréquente aux scènes de violence risque d’entraîner une désaffection générale à l’égard des sauvageries de toutes sortes, Lia Rodrigues, incisive, presque excédée, tonique à souhait, abolit nos certitudes commodes et rassembleuses, questionne sans ménagement notre regard et notre position, et nous force à regarder l’humain, trop humain.

Chorégraphie : Lia rodrigues
Création : Lia rodrigues
Danseurs/collaborateurs pour la création : Micheline torres, Amália lima, Jamil cardoso, Celina portella, Allyson amaral, Gustavo barros, Ana paula kamozaki, Leonardo nabuco, Giovana targino
Dramaturgie : Silvia soter
Lumières : Milton giglio
Coproduction : Centre national de la danse à Pantin, festival d'automne à Paris, La ferme du buisson scène nationale, De Marne-la-Vallée (Noisiel), La maison de la danse de Lyon, La maison des Cultures du monde (Berlin)
Avec le soutien de Tanzquartier (Vienne) ,idee – Programme Culture 2000 de l'Union Européenne
Partenaires au brésil : CEASM – Centre des etudes et des actions solidaires de la Maré – Casa de cultura da Maré (Rio de Janeiro)
En collaboration avec Place des arts Québec

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

MARÉE HUMAINE. De la danse qui s’affirme positivement comme telle.  De la danse dépouillée et rigoureuse. De la danse qui se fait allégorie de l’océan, puissant et abyssal, de ses mouvements violents et tempétueux, de ses silences étourdissants. Crépuscule des océans, la plus récente création de Daniel Léveillé, propose de suivre les flux et reflux d’une marée humaine qui, en ses profondeurs, contient la part obscure de nous-mêmes. Farouche à tout cloisonnement, Léveillé s’enfuit dès qu’on l’approche muni d’un filet ou de la volonté de le réduire à un seul désir : « Je rêve d’un spectacle qui ne soit pas fixé, qui ne soit pas tué dans une forme définitive. » Après Amour, acide et noix (2001) et La Pudeur des icebergs (2004), poursuit-il un triptyque? Pourquoi s’encombrer ainsi de classifications? Il poursuit, dans l’insoumission et la rigueur, une oeuvre qui échappe à toute volonté de baliser un parcours. « Je ne sais jamais sur quoi je travaille. Je fais tout pour ne pas savoir ce que je fais, pour obéir plutôt à l’instinct et à l’inconscient. Mon idéal est de m’effacer comme créateur. » Effacement qui pourtant laisse des traces indélébiles dans la conscience de ceux qui se laissent emporter par le mouvement qu’il crée.

Chorégraphie : Daniel Léveillé
Interprètes : Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Katie Ewald, Justin Gionet, Stéphane Gladyszewski, Ivana Millicevic, Emmanuel Proulx
Répétitrice : Marie-Andrée Gougeon
Lumières : Jean Jauvin
Musique : Jean-Sébastien Durocher
Coproduction : Impulstanz Vienna International, Dance Festival, Szene Salzburg International, Performing Arts, Festival TransAmériques, Agora De La Danse (Montréal), Danspace Project (New York)
En Collaboration Avec Agora De La Danse
Accueil En Résidence : Département de danse de l'UQAM, Maison de la culture Frontenac, Centre de création O Vertigo, Agora de la danse, Szene Salzburg

MARÉE HUMAINE. De la danse qui s’affirme positivement comme telle.  De la danse dépouillée et rigoureuse. De la danse qui se fait allégorie de l’océan, puissant et abyssal, de ses mouvements violents et tempétueux, de ses silences étourdissants. Crépuscule des océans, la plus récente création de Daniel Léveillé, propose de suivre les flux et reflux d’une marée humaine qui, en ses profondeurs, contient la part obscure de nous-mêmes. Farouche à tout cloisonnement, Léveillé s’enfuit dès qu’on l’approche muni d’un filet ou de la volonté de le réduire à un seul désir : « Je rêve d’un spectacle qui ne soit pas fixé, qui ne soit pas tué dans une forme définitive. » Après Amour, acide et noix (2001) et La Pudeur des icebergs (2004), poursuit-il un triptyque? Pourquoi s’encombrer ainsi de classifications? Il poursuit, dans l’insoumission et la rigueur, une oeuvre qui échappe à toute volonté de baliser un parcours. « Je ne sais jamais sur quoi je travaille. Je fais tout pour ne pas savoir ce que je fais, pour obéir plutôt à l’instinct et à l’inconscient. Mon idéal est de m’effacer comme créateur. » Effacement qui pourtant laisse des traces indélébiles dans la conscience de ceux qui se laissent emporter par le mouvement qu’il crée.

Chorégraphie : Daniel Léveillé
Interprètes : Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Katie Ewald, Justin Gionet, Stéphane Gladyszewski, Ivana Millicevic, Emmanuel Proulx
Répétitrice : Marie-Andrée Gougeon
Lumières : Jean Jauvin
Musique : Jean-Sébastien Durocher
Coproduction : Impulstanz Vienna International, Dance Festival, Szene Salzburg International, Performing Arts, Festival TransAmériques, Agora De La Danse (Montréal), Danspace Project (New York)
En Collaboration Avec Agora De La Danse
Accueil En Résidence : Département de danse de l'UQAM, Maison de la culture Frontenac, Centre de création O Vertigo, Agora de la danse, Szene Salzburg

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

TUER LA MORT. Frankenstein, icône glacée, chargée d’effroi. Jamais dans l’histoire de l’humanité n’aurons-nous été aussi près de ce mythe.  Nous assistons à l’amorce d’une nouvelle ère, celle du remodelage généralisé du vivant, un jeu de combinatoires où se dissolvent progressivement les frontières entre les personnes et les choses, les êtres et la matière. Fondé en septembre 1993, Le Pont Bridge est une cellule de création multidisciplinaire. À l’affût de la technologie et privilégiant une approche ludique, artisanale et inventive, Carole Nadeau crée des fables urbaines qui agissent sur les sens et la perception du spectateur, des oeuvres qui, à la jonction du théâtre, de l’installation et de la vidéo, explorent les interrelations entre la parole, le corps, l’espace et l’image. Bricolage théâtral ludique, multimédiatique et « thrillertique » en écho aux manipulations génétiques, Frank Ketchup interroge notre volonté de rester humains et pose un regard humoristique sur ce nouvel ordre du biopouvoir qui bouleverse nos modes de pensées et de relations, nos conceptions intimes et nos repères psychiques. Frankenstein était un mythe; Frank Ketchup, lui, existe. Il est déjà là.

Assistant à la mise en scène : Louis hudon
Scénographie et lumières : Louis-philippe saint-arnault
Vidéo : Jean-sébastien durocher, Carole nadeau
Interface de la régie vidéo : Alexandre burton
Conception sonore : Jean-sébastien durocher
Conseillers artistiques : Jean-sébastien durocher, Louis hudon
Distribution : Manon brunelle, Stéphane demers, Guillermina kerwin, Élysabeth walling
Coproduction: Festival transamériques
Coprésentation : Lepontbridge
En collaboration avec Espace libre
Idée originale et mise en scène : Carole nadeau
Scénario et dialogues : Normand chaurette, Carole nadeau

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

DANSE ET DÉSOBÉISSANCE. Quatre soirées. Quatre spectacles.  Quatre performances chorégraphiques différentes, que l’on peut voir toutes ou séparément. Les quatre points cardinaux d’une planète danse entre lesquels les mouvements se répètent en écho. Une oeuvre qui fait les quatre cents coups et n’y va pas par quatre chemins pour regarder entre quatre yeux les clichés encore associés au féminin. La danseuse et performeuse Antonija Livingstone, interprète entre autres de Benoît Lachambre et de Meg Stuart, s’acoquine avec la chorégraphe et performeuse new-yorkaise Heather Kravas pour une valse cynique à quatre temps tantôt ébouriffante, provocatrice, désarçonnante et ludique, qui unit la danse à une fanfare et à un orchestre de chambre, à un couple qui s’enlace sur la scène et dans la salle, à un escabeau et à un homme qui fait pleuvoir des flocons de papier. En abolitionnistes, les deux créatrices se font situationnistes et attaquent l’idéologie régnante pour y substituer les valeurs de la poésie, de la fête et du jeu. Elles redisent que les modèles traditionnels se perpétuent en un spectacle auquel participent toutes les institutions et les rôles sociaux. Un spectacle qu’elles se font une joie de mettre en pièce.  Quatre fois plutôt qu’une!

Conception Et Interprétation : Antonija Livingstone, Heather Kravas
Avec la contribution de plusieurs invités spéciaux
Avec le soutien de Daniel Léveillé Danse
Développé en résidence au "laboratoire socio-artistique" Les Bains : connective de Bruxelles, Centre chorégraphique national de Franche-Comté à Belfort (France), Danse Theatre Workshop (New York), le Quartz-scène national de Brest.

DANSE ET DÉSOBÉISSANCE. Quatre soirées. Quatre spectacles.  Quatre performances chorégraphiques différentes, que l’on peut voir toutes ou séparément. Les quatre points cardinaux d’une planète danse entre lesquels les mouvements se répètent en écho. Une oeuvre qui fait les quatre cents coups et n’y va pas par quatre chemins pour regarder entre quatre yeux les clichés encore associés au féminin. La danseuse et performeuse Antonija Livingstone, interprète entre autres de Benoît Lachambre et de Meg Stuart, s’acoquine avec la chorégraphe et performeuse new-yorkaise Heather Kravas pour une valse cynique à quatre temps tantôt ébouriffante, provocatrice, désarçonnante et ludique, qui unit la danse à une fanfare et à un orchestre de chambre, à un couple qui s’enlace sur la scène et dans la salle, à un escabeau et à un homme qui fait pleuvoir des flocons de papier. En abolitionnistes, les deux créatrices se font situationnistes et attaquent l’idéologie régnante pour y substituer les valeurs de la poésie, de la fête et du jeu. Elles redisent que les modèles traditionnels se perpétuent en un spectacle auquel participent toutes les institutions et les rôles sociaux. Un spectacle qu’elles se font une joie de mettre en pièce.  Quatre fois plutôt qu’une!

Conception Et Interprétation : Antonija Livingstone, Heather Kravas
Avec la contribution de plusieurs invités spéciaux
Avec le soutien de Daniel Léveillé Danse
Développé en résidence au "laboratoire socio-artistique" Les Bains : connective de Bruxelles, Centre chorégraphique national de Franche-Comté à Belfort (France), Danse Theatre Workshop (New York), le Quartz-scène national de Brest.

DANSE ET DÉSOBÉISSANCE. Quatre soirées. Quatre spectacles.  Quatre performances chorégraphiques différentes, que l’on peut voir toutes ou séparément. Les quatre points cardinaux d’une planète danse entre lesquels les mouvements se répètent en écho. Une oeuvre qui fait les quatre cents coups et n’y va pas par quatre chemins pour regarder entre quatre yeux les clichés encore associés au féminin. La danseuse et performeuse Antonija Livingstone, interprète entre autres de Benoît Lachambre et de Meg Stuart, s’acoquine avec la chorégraphe et performeuse new-yorkaise Heather Kravas pour une valse cynique à quatre temps tantôt ébouriffante, provocatrice, désarçonnante et ludique, qui unit la danse à une fanfare et à un orchestre de chambre, à un couple qui s’enlace sur la scène et dans la salle, à un escabeau et à un homme qui fait pleuvoir des flocons de papier. En abolitionnistes, les deux créatrices se font situationnistes et attaquent l’idéologie régnante pour y substituer les valeurs de la poésie, de la fête et du jeu. Elles redisent que les modèles traditionnels se perpétuent en un spectacle auquel participent toutes les institutions et les rôles sociaux. Un spectacle qu’elles se font une joie de mettre en pièce.  Quatre fois plutôt qu’une!

Conception Et Interprétation : Antonija Livingstone, Heather Kravas
Avec la contribution de plusieurs invités spéciaux
Avec le soutien de Daniel Léveillé Danse
Développé en résidence au "laboratoire socio-artistique" Les Bains : connective de Bruxelles, Centre chorégraphique national de Franche-Comté à Belfort (France), Danse Theatre Workshop (New York), le Quartz-scène national de Brest.

DANSE ET DÉSOBÉISSANCE. Quatre soirées. Quatre spectacles.  Quatre performances chorégraphiques différentes, que l’on peut voir toutes ou séparément. Les quatre points cardinaux d’une planète danse entre lesquels les mouvements se répètent en écho. Une oeuvre qui fait les quatre cents coups et n’y va pas par quatre chemins pour regarder entre quatre yeux les clichés encore associés au féminin. La danseuse et performeuse Antonija Livingstone, interprète entre autres de Benoît Lachambre et de Meg Stuart, s’acoquine avec la chorégraphe et performeuse new-yorkaise Heather Kravas pour une valse cynique à quatre temps tantôt ébouriffante, provocatrice, désarçonnante et ludique, qui unit la danse à une fanfare et à un orchestre de chambre, à un couple qui s’enlace sur la scène et dans la salle, à un escabeau et à un homme qui fait pleuvoir des flocons de papier. En abolitionnistes, les deux créatrices se font situationnistes et attaquent l’idéologie régnante pour y substituer les valeurs de la poésie, de la fête et du jeu. Elles redisent que les modèles traditionnels se perpétuent en un spectacle auquel participent toutes les institutions et les rôles sociaux. Un spectacle qu’elles se font une joie de mettre en pièce.  Quatre fois plutôt qu’une!

Conception Et Interprétation : Antonija Livingstone, Heather Kravas
Avec la contribution de plusieurs invités spéciaux
Avec le soutien de Daniel Léveillé Danse
Développé en résidence au "laboratoire socio-artistique" Les Bains : connective de Bruxelles, Centre chorégraphique national de Franche-Comté à Belfort (France), Danse Theatre Workshop (New York), le Quartz-scène national de Brest.

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

CHOEUR À NEUF VOIX. Fabuleux soap-opera, qui flirte autant avec la saga romanesque qu’avec la pensée du physicien Stephen Hawking, Lipsynch propose une série de destins croisés, de voix et de vies superposées, rien de moins qu’un état du monde avec ses absences et ses trous noirs, cela à travers les aléas d’hommes et de femmes réunis par le hasard et les probabilités. Neuf histoires s’enchaînent, les règles de la chronologie sont abolies, et s’entrechoquent ainsi les microfictions, telles des billes de flipper actionnées par le manipulateur Lepage. Après Les Sept Branches de la rivière Ota et tant d’autres oeuvres monumentales, l’artiste nous mène en bateau, en train, en avion, en métro et en voiture jusqu’aux confluents où plusieurs rivières se rejoignent, au delta où se sont déposées les alluvions de mémoires endeuillées. OEuvre dramatique et vaudevillesque, symphonie au coeur de laquelle chaque histoire, chaque personnage et chaque voix se présente tel un instrument avec sa musique et sa tonalité propres, Lipsynch est un vaste meccano qui porte le théâtre à l’acmé de ses possibilités narratives, un chatoyant cube de Rubik qui multiplie les facettes et toujours laisse éclore de nouvelles éventualités.

Mise En Scène : Robert Lepage
Texte : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Marie Gignac, Sarah Kemp, Robert Lepage, Rick Miller, Hans Piesbergen
Scénographie : Jean Hazel
Lumières : Etienne Boucher
Conception Sonore : Jean-Sébastien Côté
Costumes : Yasmina Giguère
Accessoires : Virginie Leclerc
Réalisation Des Images : Jacques Collin
Assistance À La Mise En Scène : Félix Dagenais
Distribution : Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria Garcia, Sarah Kemp, Rick Miller, Hans Piesbergen, Coproduction, Cabildo Insular De Tenerife, Festival TransAmériques

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

GUIGNOLS MACABRES. Petits contes philosophiques, drôleries sans conséquence ou porteuses de tout un imaginaire collectif, saynètes drolatiques, fabliaux plaisants et satiriques, toutes les Famous Puppet Death Scenes rassemblées ici constituent une série de perles tirées du répertoire de la marionnette et dont le collier est la mort : une mort envisagée de façon désespérée ou tonique, au gré de scènes muettes ou narrées, faisant appel à des manipulateurs à vue ou non, et qui, présentées par un maître de cérémonie lui-même marionnette, font d’un petit castelet aux multiples possibilités le théâtre de notre condition éphémère, à nous, pauvres mortels.  La compagnie a puisé à même les traditions de tous les pays pour composer un florilège de pièces naïves ou sophistiquées, poétiques ou lyriques, d’une beauté grave ou d’une fantaisie débridée. Tous les styles sont convoqués : l’humour juif avec lequel est convoqué le suicide côtoie une métaphore de l’oppression; le conte philosophique rencontre la fable énigmatique. Jamais funèbres ou mortuaires, ces pièces parlent pourtant toutes de la mort… ou peut-être devrait-on dire de la vie puisque, on le sait, la vie est une maladie mortelle et qu’elle ne tient qu’à un fil!

Créé Par The Old Trout Puppet Workshop & Friends: Peter Balkwill, Don Brinsmead, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Bobby Hall, Judd Palmer, Stephen Pearce Et Tim Sutherland
Mise En Scène : Tim Sutherland
Direction Technique : Bobby Hall
Costumes : Jen Gareau, Sarah Malik
Lumières Et Régie De Plateau Stage Management : Cimmeron Meyer
Conception Sonore : Mike Rinaldi
Producteur : Grant Burns
Avec Peter Balkwill, Mitchell Craib, Pityu Kenderes, Judd Palmer

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

MARÉE HUMAINE. De la danse qui s’affirme positivement comme telle.  De la danse dépouillée et rigoureuse. De la danse qui se fait allégorie de l’océan, puissant et abyssal, de ses mouvements violents et tempétueux, de ses silences étourdissants. Crépuscule des océans, la plus récente création de Daniel Léveillé, propose de suivre les flux et reflux d’une marée humaine qui, en ses profondeurs, contient la part obscure de nous-mêmes. Farouche à tout cloisonnement, Léveillé s’enfuit dès qu’on l’approche muni d’un filet ou de la volonté de le réduire à un seul désir : « Je rêve d’un spectacle qui ne soit pas fixé, qui ne soit pas tué dans une forme définitive. » Après Amour, acide et noix (2001) et La Pudeur des icebergs (2004), poursuit-il un triptyque? Pourquoi s’encombrer ainsi de classifications? Il poursuit, dans l’insoumission et la rigueur, une oeuvre qui échappe à toute volonté de baliser un parcours. « Je ne sais jamais sur quoi je travaille. Je fais tout pour ne pas savoir ce que je fais, pour obéir plutôt à l’instinct et à l’inconscient. Mon idéal est de m’effacer comme créateur. » Effacement qui pourtant laisse des traces indélébiles dans la conscience de ceux qui se laissent emporter par le mouvement qu’il crée.

Chorégraphie : Daniel Léveillé
Interprètes : Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Katie Ewald, Justin Gionet, Stéphane Gladyszewski, Ivana Millicevic, Emmanuel Proulx
Répétitrice : Marie-Andrée Gougeon
Lumières : Jean Jauvin
Musique : Jean-Sébastien Durocher
Coproduction : Impulstanz Vienna International, Dance Festival, Szene Salzburg International, Performing Arts, Festival TransAmériques, Agora De La Danse (Montréal), Danspace Project (New York)
En Collaboration Avec Agora De La Danse
Accueil En Résidence : Département de danse de l'UQAM, Maison de la culture Frontenac, Centre de création O Vertigo, Agora de la danse, Szene Salzburg

ÈVE NOUVELLE. Théâtre de l’inconscient dévoilé, qui puise à même les mythes fondateurs de l’Occident, théâtre où science, composition sonore et arts visuels sont inextricablement liés, le théâtre de la Socìetas Raffaello Sanzio met à vif tous ceux qui osent le regarder en face, soulève les passions, provoque malaise ou adhésion totale. Après Orestea et Genesi, présentés au FTA en 1997 et 2002, après avoir exploré les nouvelles incarnations du tragique sur toutes les scènes du monde, Romeo Castellucci, l’un des plus grands créateurs de notre temps, est de retour avec Hey Girl!, une oeuvre stupéfiante dans laquelle « quelqu’un se réveille, se lève, se prépare à sortir ». D’une chrysalide visqueuse, une Ève future émerge. Elle évoque les « reines qui ont donné leur tête au peuple », joue une Juliette sans Roméo, asperge un glaive de Chanel no 5, se drape d’un linceul marqué d’une croix et rencontre son double noir : autant d’images évocatrices projetées sur la scène d’un théâtre du féminin, où des mâles anonymes débarquent en meute pour se livrer à une bastonnade. OEuvre qui célèbre la fin d’une époque pour la femme et le commencement d’un temps nouveau, oeuvre où le texte est gratté jusqu’à l’os, chambre d’échos aux résonances infinies, Hey Girl! provoque la surprise d’une chute de météore.

De : Romeo Castellucci
Musique Originale : Scott Gibbons
Statique Et Dynamique : Stephan Duve
Technicien En Éclairages : Giacomo Gorini
Réalisation Sculptures De Scène : Plastikart, Istvan Zimmermann
Distribution : Silvia Costa, Sonia Beltran Napoles
Coproduction : Odéon Théâtre de l'Europe avec Festival d'Automne/Paris steirischer herbst/Graz Le-Maillon Théâtre/Strasbourg de Singel /Antwerpen Productiehuis Rotterdam (Rotterdamse Schouwburg) Cankarjev dom Ljubljana Trafò House of Contemporary Arts/Budapest
Avec l’appui de L’Institut Culturel Italien de Montréal
En collaboration avec Le Carrefour international de théâtre de Québec

MARÉE HUMAINE. De la danse qui s’affirme positivement comme telle.  De la danse dépouillée et rigoureuse. De la danse qui se fait allégorie de l’océan, puissant et abyssal, de ses mouvements violents et tempétueux, de ses silences étourdissants. Crépuscule des océans, la plus récente création de Daniel Léveillé, propose de suivre les flux et reflux d’une marée humaine qui, en ses profondeurs, contient la part obscure de nous-mêmes. Farouche à tout cloisonnement, Léveillé s’enfuit dès qu’on l’approche muni d’un filet ou de la volonté de le réduire à un seul désir : « Je rêve d’un spectacle qui ne soit pas fixé, qui ne soit pas tué dans une forme définitive. » Après Amour, acide et noix (2001) et La Pudeur des icebergs (2004), poursuit-il un triptyque? Pourquoi s’encombrer ainsi de classifications? Il poursuit, dans l’insoumission et la rigueur, une oeuvre qui échappe à toute volonté de baliser un parcours. « Je ne sais jamais sur quoi je travaille. Je fais tout pour ne pas savoir ce que je fais, pour obéir plutôt à l’instinct et à l’inconscient. Mon idéal est de m’effacer comme créateur. » Effacement qui pourtant laisse des traces indélébiles dans la conscience de ceux qui se laissent emporter par le mouvement qu’il crée.

Chorégraphie : Daniel Léveillé
Interprètes : Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Katie Ewald, Justin Gionet, Stéphane Gladyszewski, Ivana Millicevic, Emmanuel Proulx
Répétitrice : Marie-Andrée Gougeon
Lumières : Jean Jauvin
Musique : Jean-Sébastien Durocher
Coproduction : Impulstanz Vienna International, Dance Festival, Szene Salzburg International, Performing Arts, Festival TransAmériques, Agora De La Danse (Montréal), Danspace Project (New York)
En Collaboration Avec Agora De La Danse
Accueil En Résidence : Département de danse de l'UQAM, Maison de la culture Frontenac, Centre de création O Vertigo, Agora de la danse, Szene Salzburg

ÈVE NOUVELLE. Théâtre de l’inconscient dévoilé, qui puise à même les mythes fondateurs de l’Occident, théâtre où science, composition sonore et arts visuels sont inextricablement liés, le théâtre de la Socìetas Raffaello Sanzio met à vif tous ceux qui osent le regarder en face, soulève les passions, provoque malaise ou adhésion totale. Après Orestea et Genesi, présentés au FTA en 1997 et 2002, après avoir exploré les nouvelles incarnations du tragique sur toutes les scènes du monde, Romeo Castellucci, l’un des plus grands créateurs de notre temps, est de retour avec Hey Girl!, une oeuvre stupéfiante dans laquelle « quelqu’un se réveille, se lève, se prépare à sortir ». D’une chrysalide visqueuse, une Ève future émerge. Elle évoque les « reines qui ont donné leur tête au peuple », joue une Juliette sans Roméo, asperge un glaive de Chanel no 5, se drape d’un linceul marqué d’une croix et rencontre son double noir : autant d’images évocatrices projetées sur la scène d’un théâtre du féminin, où des mâles anonymes débarquent en meute pour se livrer à une bastonnade. OEuvre qui célèbre la fin d’une époque pour la femme et le commencement d’un temps nouveau, oeuvre où le texte est gratté jusqu’à l’os, chambre d’échos aux résonances infinies, Hey Girl! provoque la surprise d’une chute de météore.

De : Romeo Castellucci
Musique Originale : Scott Gibbons
Statique Et Dynamique : Stephan Duve
Technicien En Éclairages : Giacomo Gorini
Réalisation Sculptures De Scène : Plastikart, Istvan Zimmermann
Distribution : Silvia Costa, Sonia Beltran Napoles
Coproduction : Odéon Théâtre de l'Europe avec Festival d'Automne/Paris steirischer herbst/Graz Le-Maillon Théâtre/Strasbourg de Singel /Antwerpen Productiehuis Rotterdam (Rotterdamse Schouwburg) Cankarjev dom Ljubljana Trafò House of Contemporary Arts/Budapest
Avec l’appui de L’Institut Culturel Italien de Montréal
En collaboration avec Le Carrefour international de théâtre de Québec

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin

FANTASMAGORIES HALLUCINANTES. En trois saisissants spectacles technologiques, le brillant illusionniste Denis Marleau orchestre un périple au pays de l’absence. Le voyage s’ouvre sur un monde où trois petits êtres perchés en hauteur donnent vie à une curieuse histoire d’enfants perdus en un lieu indéfini, rêvant entre passé et présent, entre l’existence et son contraire. Puis, déplacement du public pour plonger dans un vaudeville sans portes ni placards, variante beckettienne du trio marifemme-maîtresse laissant percevoir la solitude des êtres à travers les choses risibles de la vie et de l’amour. Enfin, avancement à tâtons pour pénétrer dans une obscurité totale d’où surgissent douze visages dont les regards ne portent sur rien… ils sont tous aveugles. Immobilisés dans une forêt obscure, ils attendent leur guide qui ne viendra pas... Réunis pour une première fois à Montréal, ces spectacles technologiques laissent chacun à leur manière un souvenir impérissable produit par des acteurs qui rayonnent pourtant par leur absence. Loin des standards du théâtre, dans un monde mêlant les arts de la scène et la technologie, ce travail hors du commun nous laisse suspendus au pays des spectres. 

Dors Mon Petit Enfant : 15 Min
De Jon Fosse
Traduction De : Terje Sinding
Avec : Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Comédie : 25 Min
De Samuel Beckett
Avec Céline Bonnier, Ginette Morin, Paul Savoie
Coproduction : Théâtre français du Centre national des Arts et Manège, scène nationale de Maubeuge

Les aveugles : 45 Min
De Maurice Maeterlinck
Avec Céline Bonnier, Paul Savoie
Coproduction : Musée d’art contemporain de Montréal et Festival d’Avignon

Conception Et Réalisation De Denis Marleau
Collaboration Artistique : Stéphanie Jasmin
Équipe De Création : Angelo Barsetti, Yves Labelle, Pierre Laniel, Michel Pétrin, Claude Rodrigue, Nancy Tobin