Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Pavillion Populaire
Rétrospective Linda McCartney (1965-1997) L’espace d’art photographique de la Ville de Montpellier vous propose une visite de la première rétrospective française de Linda McCartney, photographe et musicienne américaine décédée en 1998. Ce sont plus de 220 photographies - dont nombre sont iconiques - que vous pourrez découvrir ici, tout en entrant dans l’univers poétique et intimiste de cette artiste de renommée internationale et de sa famille.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Pavillion Populaire
Rétrospective Linda McCartney (1965-1997) L’espace d’art photographique de la Ville de Montpellier vous propose une visite de la première rétrospective française de Linda McCartney, photographe et musicienne américaine décédée en 1998. Ce sont plus de 220 photographies - dont nombre sont iconiques - que vous pourrez découvrir ici, tout en entrant dans l’univers poétique et intimiste de cette artiste de renommée internationale et de sa famille.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Montpellier Danse vous propose de découvrir son magnifique espace tout entier dédié à la danse : l’Agora, cité internationale de la danse, enceinte qui réunit Montpellier Danse et le Centre Chorégraphique National. Au cœur de l’ancien couvent des Ursulines, vous visiterez notamment les deux studios de création et de répétition. L’occasion de rencontrer et de découvrir le travail Trans-Genre de Matthieu Hocquemiller, artiste actuellement en résidence !

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Montpellier Danse vous propose de découvrir son magnifique espace tout entier dédié à la danse : l’Agora, cité internationale de la danse, enceinte qui réunit Montpellier Danse et le Centre Chorégraphique National. Au cœur de l’ancien couvent des Ursulines, vous visiterez notamment les deux studios de création et de répétition. L’occasion de rencontrer et de découvrir le travail Trans-Genre de Matthieu Hocquemiller, artiste actuellement en résidence !

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Carré Saint-Anne
L’œil et le cœur 2. Traits d’esprit dans les collections privées montpelliéraines

Espace Dominique Bagouet
André Blondel : Au nom du père 

Visite double pour deux expositions résolument différentes initiées par le même passionné. L’une se présente comme un gigantesque cabinet de curiosités contemporaines et croise le regard de quatre collectionneurs de la ville au travers de leurs choix artistiques. L’autre explore une figure du patrimoine régional de l’art moderne, le franco-polonais André Blondel et sa peinture aux accents fauvistes des années 1930-1950.

La Panacée - exposition dernières nouvelles de l'Ether 
Saison #1 - Vous avez un message

Commissariat : Franck Bauchard & Sébastien Pluot « Dernières nouvelles de l’Éther » interroge cette notion énigmatique pour évaluer les effets complexes de ces ondes sur la « société électromagnétique globale », dans laquelle nous vivons désormais.

Art by telephone... recalled

Commissariat : Sébastien Pluot & Fabien Vallos Cette exposition réactive une sélection des œuvres de l’exposition mythique qui s’est tenue au Musée d’Art Contemporain de Chicago en 1969 et la prolonge à ujourd’hui avec des propositions de nouveaux artistes.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles dans le but de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville, une réflexion ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur-mesure pour les membres de l'IETM.

Carré Saint-Anne
L’œil et le cœur 2. Traits d’esprit dans les collections privées montpelliéraines

Espace Dominique Bagouet
André Blondel : Au nom du père 

Visite double pour deux expositions résolument différentes initiées par le même passionné. L’une se présente comme un gigantesque cabinet de curiosités contemporaines et croise le regard de quatre collectionneurs de la ville au travers de leurs choix artistiques. L’autre explore une figure du patrimoine régional de l’art moderne, le franco-polonais André Blondel et sa peinture aux accents fauvistes des années 1930-1950.

La Panacée - exposition dernières nouvelles de l'Ether 
Saison #1 - Vous avez un message

Commissariat : Franck Bauchard & Sébastien Pluot « Dernières nouvelles de l’Éther » interroge cette notion énigmatique pour évaluer les effets complexes de ces ondes sur la « société électromagnétique globale », dans laquelle nous vivons désormais.

Art by telephone... recalled

Commissariat : Sébastien Pluot & Fabien Vallos Cette exposition réactive une sélection des œuvres de l’exposition mythique qui s’est tenue au Musée d’Art Contemporain de Chicago en 1969 et la prolonge à ujourd’hui avec des propositions de nouveaux artistes.

Association Achles, David Wampach

TOUR place la question de la respiration et du travail vocal au centre du jeu. Une petite estrade sert d'écrin à un solo bâti tout entier sur la production sonore et gestuelle de son interprète. Du cœur de cette scénographie s'échappent des râles, des rires et autres sons organiques. David Wampach cherche à chorégraphier sa propre voix, manipulant sa respiration et laissant son corps jouer avec l'imaginaire qu'induisent les sons.

TOUR dessine ainsi un portrait sonore instable. Celui d'un être primal, envahi par le rythme incessant et incontrôlable de son flux respiratoire. Un être dyonisiaque, bouillonnant de flux archaïques, qui ne parvient plus à communiquer par le discours. Un être qui s'inscrit au-delà ou en deçà de toute cérébralité. Maxime de Bruyn

Sabine Seifert, production diffusion
Production: Association Achles
Coproductions: Le Cratère, Scène nationale d’Alès • Théâtre de Vanves, Festival ArtDanThé 2013 • Programme « Etape Danse », Bureau du Théâtre et de la danse à Berlin • Centre de développement chorégraphique Uzès Danse • Fabrik Potsdam • Centre chorégraphique national de La Rochelle
Soutiens: Arcadi, dans le cadre de Hors Saison, le rendez-vous danse d'Arcadi en coréalisation avec le Théâtre de Vanves • Montpellier Danse, Fondation BNP Paribas et Région Languedoc-Roussillon pour l’accueil en résidence à l’Agora, cité internationale de la danse en 2013 • Montévidéo, Centre de créations contemporaines, Marseille • Ménagerie de Verre dans le cadre des Studiolabs • Centre National de la Danse Distribution

Chorégraphie et interprétation : David Wampach
Son : Mikko Hynninen
Assistant à la chorégraphie : Christian Ubl
Costume et scénographie : Rachel Garcia 
Lumières : Benjamin Boiffier
Travail vocal : Dalila Khatir 
Conseiller dramaturgique : Maxime de Bruyn
Regards extérieurs : Mark Tompkins, Marie Orts
Régie générale : Gaëtan Lebret
Régie son : Pierre Mourles

Gustavia - Mathilde Monnier & La Ribot
Gustavia est une pièce qui réunit deux artistes chorégraphiques aux parcours très différents, animées par de communes réflexions autour des questions du devenir de l’art et de la représentation en particulier.

Ce spectacle prend appui sur l’univers du burlesque classique. Utilisant les techniques du renversement, du coup et de l’esquive, le burlesque est un art de la transformation de l’incompétence en compétence. Il permet de distinguer les héros burlesques des héros contestataires. Il surgit dans l’excès de parole comme dans son absence. Le burlesque du corps, lui, se niche dans la dépense gratuite, dans la répétition, dans l’accident. Ce qui est nécessairement lisible dans le burlesque est caché dans la danse, puisque cette dernière n‘est pas ou très peu comique par essence.

Association Achles, David Wampach

TOUR place la question de la respiration et du travail vocal au centre du jeu. Une petite estrade sert d'écrin à un solo bâti tout entier sur la production sonore et gestuelle de son interprète. Du cœur de cette scénographie s'échappent des râles, des rires et autres sons organiques. David Wampach cherche à chorégraphier sa propre voix, manipulant sa respiration et laissant son corps jouer avec l'imaginaire qu'induisent les sons.

TOUR dessine ainsi un portrait sonore instable. Celui d'un être primal, envahi par le rythme incessant et incontrôlable de son flux respiratoire. Un être dyonisiaque, bouillonnant de flux archaïques, qui ne parvient plus à communiquer par le discours. Un être qui s'inscrit au-delà ou en deçà de toute cérébralité. Maxime de Bruyn

Sabine Seifert, production diffusion
Production: Association Achles
Coproductions: Le Cratère, Scène nationale d’Alès • Théâtre de Vanves, Festival ArtDanThé 2013 • Programme « Etape Danse », Bureau du Théâtre et de la danse à Berlin • Centre de développement chorégraphique Uzès Danse • Fabrik Potsdam • Centre chorégraphique national de La Rochelle
Soutiens: Arcadi, dans le cadre de Hors Saison, le rendez-vous danse d'Arcadi en coréalisation avec le Théâtre de Vanves • Montpellier Danse, Fondation BNP Paribas et Région Languedoc-Roussillon pour l’accueil en résidence à l’Agora, cité internationale de la danse en 2013 • Montévidéo, Centre de créations contemporaines, Marseille • Ménagerie de Verre dans le cadre des Studiolabs • Centre National de la Danse Distribution

Chorégraphie et interprétation : David Wampach
Son : Mikko Hynninen
Assistant à la chorégraphie : Christian Ubl
Costume et scénographie : Rachel Garcia 
Lumières : Benjamin Boiffier
Travail vocal : Dalila Khatir 
Conseiller dramaturgique : Maxime de Bruyn
Regards extérieurs : Mark Tompkins, Marie Orts
Régie générale : Gaëtan Lebret
Régie son : Pierre Mourles

Gustavia - Mathilde Monnier & La Ribot
Gustavia est une pièce qui réunit deux artistes chorégraphiques aux parcours très différents, animées par de communes réflexions autour des questions du devenir de l’art et de la représentation en particulier.

Ce spectacle prend appui sur l’univers du burlesque classique. Utilisant les techniques du renversement, du coup et de l’esquive, le burlesque est un art de la transformation de l’incompétence en compétence. Il permet de distinguer les héros burlesques des héros contestataires. Il surgit dans l’excès de parole comme dans son absence. Le burlesque du corps, lui, se niche dans la dépense gratuite, dans la répétition, dans l’accident. Ce qui est nécessairement lisible dans le burlesque est caché dans la danse, puisque cette dernière n‘est pas ou très peu comique par essence.

Compagnie Quasi

Une histoire d’anges avec des personnages solitaires, leurs profils,
leurs identifiants et leurs improbables «avatars», disséminés dans divers lieux réels ou virtuels, matériels ou électroniques, mais reliés – c’est l’étymologie du mot « religion » – en permanence par les moyens de la télé-présence.

La représentation se joue sur trois espaces interconnectés où tout le monde voit ensemble un seul et même spectacle selon trois points de vue – dans trois lieux proches et/ou éloignés les uns des autres,
en France ou à l’étranger, de taille et de nature diverses.

Quasi et son « théâtre des données » nous proposent de partager la première expérience publique d’un dispositif de jeux, de théâtre et d’humanité en réseau. Une histoire d’anges et de solitude, au voisinage de la "sociologie de l’imaginaire", interprétée par une communauté de solitaires et leurs avatars disséminés sur plusieurs scènes simultanées, dans divers lieux réels ou virtuels, matériels ou électroniques, mais reliés en permanence par l’image et par internet. Une réflexion autour des usages et des usagers de socialité à distance, cette sorte de présence à l’autre, où il est question de la réalité comme d’une combinaison entre faire et imaginer faire, sur un nuage de déplacement et de communication. Sur chacun de ces trois plateaux, il y a un acteur physiquement présent en lien avec les deux autres par les moyens de la télé-présence ainsi qu'avec d'autres personnages filmés ou dessinés.

Quasi Cie - Alain Béhar
Dolores Davias, administration •  quasicie@gmail.com 
Alain Béhar •  alain9behar@gmail.com
www.quasicie.fr

Coproductions: Compagnie Quasi • Bois de L'Aune, Pôle artistique et culturel de la Communauté du Pays d’Aix • M2F Créations Marseille Provence 2013, Capitale européenne de la culture • Le Périscope, Nîmes.
Soutiens et résidences: Centre national des écritures du spectacle / La Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon • Réseau en scène Languedoc-Roussillon
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général de l’Aude 

Mise en scène : Alain Béhar 
Texte: Alain Béhar & Vincenzo Susca
Avec: Renaud Bertin, Valentine Carette, Dolores Davias, Mathilde Gautry, Julien Mouroux, François Tizon 
Scénographie et images: Karin Andersen, Raymonde Couvreu et Alain Béhar
Musique et création sonore: Marc Siffert 
Création hypermédia: Ivan Chabanaud, Stéphane Cousot, Benoît Belbroucq 
Création lumière: Marie-Christine Soma 
Régie: Eric Hennaut, Richard Ferrari, Marc Siffert 

Compagnie Quasi

Une histoire d’anges avec des personnages solitaires, leurs profils,
leurs identifiants et leurs improbables «avatars», disséminés dans divers lieux réels ou virtuels, matériels ou électroniques, mais reliés – c’est l’étymologie du mot « religion » – en permanence par les moyens de la télé-présence.

La représentation se joue sur trois espaces interconnectés où tout le monde voit ensemble un seul et même spectacle selon trois points de vue – dans trois lieux proches et/ou éloignés les uns des autres,
en France ou à l’étranger, de taille et de nature diverses.

Quasi et son « théâtre des données » nous proposent de partager la première expérience publique d’un dispositif de jeux, de théâtre et d’humanité en réseau. Une histoire d’anges et de solitude, au voisinage de la "sociologie de l’imaginaire", interprétée par une communauté de solitaires et leurs avatars disséminés sur plusieurs scènes simultanées, dans divers lieux réels ou virtuels, matériels ou électroniques, mais reliés en permanence par l’image et par internet. Une réflexion autour des usages et des usagers de socialité à distance, cette sorte de présence à l’autre, où il est question de la réalité comme d’une combinaison entre faire et imaginer faire, sur un nuage de déplacement et de communication. Sur chacun de ces trois plateaux, il y a un acteur physiquement présent en lien avec les deux autres par les moyens de la télé-présence ainsi qu'avec d'autres personnages filmés ou dessinés.

Quasi Cie - Alain Béhar
Dolores Davias, administration •  quasicie@gmail.com 
Alain Béhar •  alain9behar@gmail.com
www.quasicie.fr

Coproductions: Compagnie Quasi • Bois de L'Aune, Pôle artistique et culturel de la Communauté du Pays d’Aix • M2F Créations Marseille Provence 2013, Capitale européenne de la culture • Le Périscope, Nîmes.
Soutiens et résidences: Centre national des écritures du spectacle / La Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon • Réseau en scène Languedoc-Roussillon
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général de l’Aude 

Mise en scène : Alain Béhar 
Texte: Alain Béhar & Vincenzo Susca
Avec: Renaud Bertin, Valentine Carette, Dolores Davias, Mathilde Gautry, Julien Mouroux, François Tizon 
Scénographie et images: Karin Andersen, Raymonde Couvreu et Alain Béhar
Musique et création sonore: Marc Siffert 
Création hypermédia: Ivan Chabanaud, Stéphane Cousot, Benoît Belbroucq 
Création lumière: Marie-Christine Soma 
Régie: Eric Hennaut, Richard Ferrari, Marc Siffert 

La Grande Mêlée  *D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher

La Grande Mêlée  *D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

La série Z sur le gâteau

Pierre Alferi
Le cinéma vu du dernier rang

Quoi de commun entre un gorille albinos, une bombe sexuelle préhistorique et un sacristain cannibale ? Les films qui leur furent consacrés ne sont ni du même genre, ni de la même époque, ni du même continent. Chacun possède pourtant des traits communs où s’accroche un air de famille, un air « psychotronique » : scénario abracadabrant, sujet scabreux, filmage foutraque, effets très peu spéciaux, interprétation ridicule. Ce qui fut nommé, dès les années 60, « la série Z » est le point de fuite de plusieurs corridors obscurs de la production cinématographique. Mais le terme peut aujourd’hui rendre hommage aux trésors de fantaisie déployés pour cacher la misère et s’emparer de faits divers, de thèmes explosifs, de modes bizarres et autres sujets tabous pour les grands studios. En prêchant dans le désert des salles de quartier, beaucoup de « séries Z » se sont révélées prophétiques. 
Leurs anticipations démentes, leurs apocalypses et leurs monstres ont visé plus juste et inspiré davantage que les fables trop sages du cinéma majeur. La série Z sur le gâteau propose une anthologie illustrée et personnelle de ces prophéties marginales, grimaçantes ou minables ; autant d’esquisses d’un contre-modèle esthétique et moral par un cinéma fièrement mineur, au rire libérateur.

Pierre Alferi est l’auteur d’une quinzaine de livres de poésie, de romans et d’essais, mais aussi de films expérimentaux et de pièces sonores, de livres d’images et d’affiches.

©Visuels : Cédric Scandella
Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

La série Z sur le gâteau

Pierre Alferi
Le cinéma vu du dernier rang

Quoi de commun entre un gorille albinos, une bombe sexuelle préhistorique et un sacristain cannibale ? Les films qui leur furent consacrés ne sont ni du même genre, ni de la même époque, ni du même continent. Chacun possède pourtant des traits communs où s’accroche un air de famille, un air « psychotronique » : scénario abracadabrant, sujet scabreux, filmage foutraque, effets très peu spéciaux, interprétation ridicule. Ce qui fut nommé, dès les années 60, « la série Z » est le point de fuite de plusieurs corridors obscurs de la production cinématographique. Mais le terme peut aujourd’hui rendre hommage aux trésors de fantaisie déployés pour cacher la misère et s’emparer de faits divers, de thèmes explosifs, de modes bizarres et autres sujets tabous pour les grands studios. En prêchant dans le désert des salles de quartier, beaucoup de « séries Z » se sont révélées prophétiques. 
Leurs anticipations démentes, leurs apocalypses et leurs monstres ont visé plus juste et inspiré davantage que les fables trop sages du cinéma majeur. La série Z sur le gâteau propose une anthologie illustrée et personnelle de ces prophéties marginales, grimaçantes ou minables ; autant d’esquisses d’un contre-modèle esthétique et moral par un cinéma fièrement mineur, au rire libérateur.

Pierre Alferi est l’auteur d’une quinzaine de livres de poésie, de romans et d’essais, mais aussi de films expérimentaux et de pièces sonores, de livres d’images et d’affiches.

©Visuels : Cédric Scandella
Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Compagnie Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi d’autogestion, les travailleurs de l’usine barcelonaise d’électroménager Numax décident d’abandonner l’entreprise et de s’inscrire au chômage. 34 ans plus tard, en 2013, la coopérative basque d’électroménager Fagor ferme ses portes, laissant ses travailleurs sur le pavé. Comme en un reenactment de la bataille de Waterloo, les travailleurs de Fagor reconstituent l’histoire des travailleurs de Numax.

Loin d’être la mise à jour charismatique d’une bataille gagnée ou perdue, Numax-Fagor-plus est la collectivisation d’un discours, la mise au point d’une bataille qui, bien évidemment, n’a jamais pris fin. Le discours appartient encore à tout le monde et, pourtant, lorsqu’on reprend les mots de la revendication, on s’aperçoit qu’on est incapable de s’en souvenir. C’est la parole qui se souvient de nous tous.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info

Production: Elèctrica Produccions 
Coproduction: Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles) • Festival Grec (Barcelone). 
Version antérieure du spectacle:  coproduction du FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone). 

Auteur: Roger Bernat 
Performeuse: différente à chaque représentation.
Spectacle construit à partir du film Numax, présenta (1980) de Joaquim Jordà, 
Collaboration d’anciens travailleurs de Numax et de l’équipe de tournage du film 
Collaboration Plate-forme d’associés et associés de Fagor, d’Ahots Kooperatibista et de Mondraberri.
Dramaturgie: Roberto Fratini, 
Recherche historique: Pablo González Morandi. 
Dispositif de visualisation: Matteo Sisti,
Création de sons: Cristóbal Saavedra Vial. 
Direction technique: Txalo Toloza 
Remerciements à Jordi Colomer, Carolina Olivares, Noe Laviana

Compagnie Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi d’autogestion, les travailleurs de l’usine barcelonaise d’électroménager Numax décident d’abandonner l’entreprise et de s’inscrire au chômage. 34 ans plus tard, en 2013, la coopérative basque d’électroménager Fagor ferme ses portes, laissant ses travailleurs sur le pavé. Comme en un reenactment de la bataille de Waterloo, les travailleurs de Fagor reconstituent l’histoire des travailleurs de Numax.

Loin d’être la mise à jour charismatique d’une bataille gagnée ou perdue, Numax-Fagor-plus est la collectivisation d’un discours, la mise au point d’une bataille qui, bien évidemment, n’a jamais pris fin. Le discours appartient encore à tout le monde et, pourtant, lorsqu’on reprend les mots de la revendication, on s’aperçoit qu’on est incapable de s’en souvenir. C’est la parole qui se souvient de nous tous.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info

Production: Elèctrica Produccions 
Coproduction: Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles) • Festival Grec (Barcelone). 
Version antérieure du spectacle:  coproduction du FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone). 

Auteur: Roger Bernat 
Performeuse: différente à chaque représentation.
Spectacle construit à partir du film Numax, présenta (1980) de Joaquim Jordà, 
Collaboration d’anciens travailleurs de Numax et de l’équipe de tournage du film 
Collaboration Plate-forme d’associés et associés de Fagor, d’Ahots Kooperatibista et de Mondraberri.
Dramaturgie: Roberto Fratini, 
Recherche historique: Pablo González Morandi. 
Dispositif de visualisation: Matteo Sisti,
Création de sons: Cristóbal Saavedra Vial. 
Direction technique: Txalo Toloza 
Remerciements à Jordi Colomer, Carolina Olivares, Noe Laviana

Compagnie Lonely Circus 

Depuis quinze ans, Lonely Circus interroge les rapports entre cirque et théâtre au travers de créations aussi bien pour la salle que pour l’espace public. Fall fell fallen est sa sixième création. Il s’agit d’un dialogue entre un acrobate et un musicien électro autour de jeux d’équilibre et de déséquilibre sur des objets improbables.

Née de la rencontre entre un musicien avide d’expérimentation (Jérôme Hoffmann) et un circassien non moins aventureux (Sébastien le Guen), Lonely Circus invente un drôle de cirque électro minimal. Le duo atypique d’un équilibriste avec un univers sonore où les sons issus de la scène se mixent aux platines et à ceux de l’orgue de tiges filetées pour un dialogue sur le fil du rasoir. Entre musique concrète et funambulisme, cette féerie invente sa propre grammaire où les arts se croisent, la lumière étant le troisième acteur de cette scénographie inventive. Un bel engagement artistique pour un spectacle total et tout public.

« Ce ballet aérien et sonore demande une maîtrise et une technique de très haut niveau. Ce mélange d'humour, d'absurde et d'acrobatie renouvelle complètement l'art du cirque. » Midi-Libre

Sébastien Lhommeau, production et diffusion • lonelycircusproduction@gmail.com
www.lonelycircus.com

Production: Lonely Circus 2012, compagnie en résidence à Balaruc-les-Bains 
Coproductions: La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Languedoc-Roussillon • U4, Parc du Haut-Fourneau, Uckange 
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication /DGCA et Drac Languedoc-Roussillon • Conseil régional Languedoc-Roussillon • SACD

Auteurs et interprètes: Jérôme Hoffmann et Sébastien Le Guen
Metteur en scène: Nicolas Heredia
Collaboration artistique : Marion Coutarel
Lumières: Marie Robert
Régie: Vivien Sabot
Construction: Sylvain Vassas et Olivier Gauducheau 

Compagnie Lonely Circus 

Depuis quinze ans, Lonely Circus interroge les rapports entre cirque et théâtre au travers de créations aussi bien pour la salle que pour l’espace public. Fall fell fallen est sa sixième création. Il s’agit d’un dialogue entre un acrobate et un musicien électro autour de jeux d’équilibre et de déséquilibre sur des objets improbables.

Née de la rencontre entre un musicien avide d’expérimentation (Jérôme Hoffmann) et un circassien non moins aventureux (Sébastien le Guen), Lonely Circus invente un drôle de cirque électro minimal. Le duo atypique d’un équilibriste avec un univers sonore où les sons issus de la scène se mixent aux platines et à ceux de l’orgue de tiges filetées pour un dialogue sur le fil du rasoir. Entre musique concrète et funambulisme, cette féerie invente sa propre grammaire où les arts se croisent, la lumière étant le troisième acteur de cette scénographie inventive. Un bel engagement artistique pour un spectacle total et tout public.

« Ce ballet aérien et sonore demande une maîtrise et une technique de très haut niveau. Ce mélange d'humour, d'absurde et d'acrobatie renouvelle complètement l'art du cirque. » Midi-Libre

Sébastien Lhommeau, production et diffusion • lonelycircusproduction@gmail.com
www.lonelycircus.com

Production: Lonely Circus 2012, compagnie en résidence à Balaruc-les-Bains 
Coproductions: La Verrerie d’Alès, Pôle national cirque Languedoc-Roussillon • U4, Parc du Haut-Fourneau, Uckange 
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication /DGCA et Drac Languedoc-Roussillon • Conseil régional Languedoc-Roussillon • SACD

Auteurs et interprètes: Jérôme Hoffmann et Sébastien Le Guen
Metteur en scène: Nicolas Heredia
Collaboration artistique : Marion Coutarel
Lumières: Marie Robert
Régie: Vivien Sabot
Construction: Sylvain Vassas et Olivier Gauducheau 

Compagnie Rara Woulib 

Des ombres dansent à un carrefour, on sent leur présence derrière un mur, on entend un rire au coin d’une rue. Lentement, elles s’emparent du béton, le rythme syncopé de leurs tambours et les mélodies enivrantes de leurs trompes nous transportent de l’autre côté... Deblozay (« désordre » en créole haïtien) est un cheminement à travers la mémoire de la ville et de ses habitants. Les guédés, mystérieux revenants, nous emmènent à la recherche des traces du passé. Objet théâtral hybride, Deblozay nous convie à la redécouverte des lieux oubliés de la ville, et rend visible ce qui, au quotidien, reste invisible, dans ce court intervalle de rêve. Au cours d’un voyage insolite vers une destination inconnue, Rara Woulib nous entraîne, à travers une épopée secrète, au cœur de la nuit. Dans la soirée, Deblozay va hanter les rues du centre ville de Montpellier... Ces apparitions nocturnes nous préparent à la grande nuit de la ZAT du samedi 19 avril de 20h à l’aube au parc Malbosc.

Production Rara Woulib Coproduction Lieux publics • Atelier 231 • Projet META in situ
Metteur en scène Julien Marchaisseau Comédiens, musiciens Julie Avril, Frédéric Blancot, Anne-Sophie Boivin, César Bouteau, Olivier Boyer, Mireille Brun, Jérémi Charras, France Davin, Pierrick de Salvert, Cyril Fayard, Donata Lelleri, Xavier Marguin, Pierre Mougne, Vincent Salagnac, Alexandra Satger, Florent Thiollier, Julien Tribout.
Régie générale Sébastien Castelain Aérien / accroches Rémi Legeay Régie lumière Thomas Lelay Pyrotechnie Marine Charlot Construction, scénographie Matthieu Perot
Composition électroacoustique, ingénieur du son Jérémy Perrouin
Spectacle programmé en amorce de la ZAT, Ville de Montpellier

Compagnie Rara Woulib 

Des ombres dansent à un carrefour, on sent leur présence derrière un mur, on entend un rire au coin d’une rue. Lentement, elles s’emparent du béton, le rythme syncopé de leurs tambours et les mélodies enivrantes de leurs trompes nous transportent de l’autre côté... Deblozay (« désordre » en créole haïtien) est un cheminement à travers la mémoire de la ville et de ses habitants. Les guédés, mystérieux revenants, nous emmènent à la recherche des traces du passé. Objet théâtral hybride, Deblozay nous convie à la redécouverte des lieux oubliés de la ville, et rend visible ce qui, au quotidien, reste invisible, dans ce court intervalle de rêve. Au cours d’un voyage insolite vers une destination inconnue, Rara Woulib nous entraîne, à travers une épopée secrète, au cœur de la nuit. Dans la soirée, Deblozay va hanter les rues du centre ville de Montpellier... Ces apparitions nocturnes nous préparent à la grande nuit de la ZAT du samedi 19 avril de 20h à l’aube au parc Malbosc.

Production Rara Woulib Coproduction Lieux publics • Atelier 231 • Projet META in situ
Metteur en scène Julien Marchaisseau Comédiens, musiciens Julie Avril, Frédéric Blancot, Anne-Sophie Boivin, César Bouteau, Olivier Boyer, Mireille Brun, Jérémi Charras, France Davin, Pierrick de Salvert, Cyril Fayard, Donata Lelleri, Xavier Marguin, Pierre Mougne, Vincent Salagnac, Alexandra Satger, Florent Thiollier, Julien Tribout.
Régie générale Sébastien Castelain Aérien / accroches Rémi Legeay Régie lumière Thomas Lelay Pyrotechnie Marine Charlot Construction, scénographie Matthieu Perot
Composition électroacoustique, ingénieur du son Jérémy Perrouin
Spectacle programmé en amorce de la ZAT, Ville de Montpellier

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Visite Danse : Mouvements sur la ville
Rencontrez trois compagnies de danse montpelliéraines disposant de leur propre studio, réunies depuis cinq ans autour du festival off Mouvements sur la ville, qui vous proposent de transformer le rapport entre le public et les artistes et de créer peu à peu avec vous une plateforme d'échanges internationaux.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Visite Danse : Mouvements sur la ville
Rencontrez trois compagnies de danse montpelliéraines disposant de leur propre studio, réunies depuis cinq ans autour du festival off Mouvements sur la ville, qui vous proposent de transformer le rapport entre le public et les artistes et de créer peu à peu avec vous une plateforme d'échanges internationaux.

Myriam Gourfink 

Cie LOLdanse

Triple est une réactualisation d'un travail plus ancien, Marine, que nous avons grand plaisir à revisiter. Pour cette forme, plus complexe, mais dévoilant plus de la construction interne du projet (qui est basé, pour sa partie chorégraphique, sur des choix aléatoires dans un ensemble de possibles strictement notés, dont la somme dépasse largement la durée de la pièce, donc dont tous les éléments ne sont jamais dansés lors d'une représentation) le choix a été fait de donner à voir – ou percevoir – TROIS réalisations simultanées de la même proposition : forcément différentes, mais fondamentalement imbriquées et identiques – comme trois chemins indépendants choisis sur une carte commune. Les trois danseuses sont placées indépendamment, dans trois espaces que l'on peut peut-être voir en même temps mais aussi, mieux, qui obligent à un déplacement et ne permettent pas de tout voir dans le même regard ; et c'est le déplacement et l'imagination du spectateur qui recréent l'ensemble, à partir des bribes perçues. Chaque danseuse est au centre d'un cercle de 2 m de diamètre, délimité par deux haut-parleurs, n'imposant pas une vision unique ni frontale de son univers. La musique – une longue montée électronique formée de 666 sons "purs" – est "presque" la même pour les trois espaces, excepté un léger jeu de décalages temporels variant en continu sur quelques centaines de millisecondes, faisant ainsi les trois espaces se courir après, se doubler et se répondre en permanence. La durée de la musique est de 28 minutes et 58 secondes, la danse peut être légèrement plus longue ou plus courte de quelques 20 secondes.

Damien Valette, diffusion, production • valette.d@gmail.com
www.jgdv.net
www.myriam-gourfink.com

Ecriture de la partition chorégraphique : Myriam Gourfink

Danse : Myriam Gourfink, Cindy van Acker et Carole Garriga
Composition et live-electronics : Kasper T. Toeplitz 
Régie technique et mise en son : Zakariyya Cammoun
Costumes : Kova

L’association Loldanse est soutenue par le ministère de la Culture et de la Communication, DRAC Île-de-France.

Myriam Gourfink/association Loldanse est en résidence au Forum, Scène conventionnée du Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

Myriam Gourfink 

Cie LOLdanse

Triple est une réactualisation d'un travail plus ancien, Marine, que nous avons grand plaisir à revisiter. Pour cette forme, plus complexe, mais dévoilant plus de la construction interne du projet (qui est basé, pour sa partie chorégraphique, sur des choix aléatoires dans un ensemble de possibles strictement notés, dont la somme dépasse largement la durée de la pièce, donc dont tous les éléments ne sont jamais dansés lors d'une représentation) le choix a été fait de donner à voir – ou percevoir – TROIS réalisations simultanées de la même proposition : forcément différentes, mais fondamentalement imbriquées et identiques – comme trois chemins indépendants choisis sur une carte commune. Les trois danseuses sont placées indépendamment, dans trois espaces que l'on peut peut-être voir en même temps mais aussi, mieux, qui obligent à un déplacement et ne permettent pas de tout voir dans le même regard ; et c'est le déplacement et l'imagination du spectateur qui recréent l'ensemble, à partir des bribes perçues. Chaque danseuse est au centre d'un cercle de 2 m de diamètre, délimité par deux haut-parleurs, n'imposant pas une vision unique ni frontale de son univers. La musique – une longue montée électronique formée de 666 sons "purs" – est "presque" la même pour les trois espaces, excepté un léger jeu de décalages temporels variant en continu sur quelques centaines de millisecondes, faisant ainsi les trois espaces se courir après, se doubler et se répondre en permanence. La durée de la musique est de 28 minutes et 58 secondes, la danse peut être légèrement plus longue ou plus courte de quelques 20 secondes.

Damien Valette, diffusion, production • valette.d@gmail.com
www.jgdv.net
www.myriam-gourfink.com

Ecriture de la partition chorégraphique : Myriam Gourfink

Danse : Myriam Gourfink, Cindy van Acker et Carole Garriga
Composition et live-electronics : Kasper T. Toeplitz 
Régie technique et mise en son : Zakariyya Cammoun
Costumes : Kova

L’association Loldanse est soutenue par le ministère de la Culture et de la Communication, DRAC Île-de-France.

Myriam Gourfink/association Loldanse est en résidence au Forum, Scène conventionnée du Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Visitez la Chapelle, ancienne église reconvertie en lieu culturel, au coeur d'un quartier gitan de Montpellier. Découvrez ce lieu atypique, immergez-vous dans l'atmosphère de son quartier, dans son espace scénique tri-dimensionnel spécialement conçu pour l'occasion. Venez partager le thé en compagnie de l'équipe et de ses nombreux partenaires pour imaginer avec eux de nouvelles relations de travail !

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Visitez la Chapelle, ancienne église reconvertie en lieu culturel, au coeur d'un quartier gitan de Montpellier. Découvrez ce lieu atypique, immergez-vous dans l'atmosphère de son quartier, dans son espace scénique tri-dimensionnel spécialement conçu pour l'occasion. Venez partager le thé en compagnie de l'équipe et de ses nombreux partenaires pour imaginer avec eux de nouvelles relations de travail !

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

(Ether) 

Le Wifi, de l’Antiquité à nos jours 

Marie Lechner
Une histoire du sans fil

Avec ou sans forfait à 30 € par mois, chacun d'entre nous est traversé des milliards de fois par seconde par des milliards de messages en tout genre : ultrasons excitant le chat à nos pieds, clignotement ultrarapide des couleurs aux alentours, particules élémentaires tout juste éjectées du soleil, conversation téléphonique du voisin de droite, série de bits détournée par la NSA, voix des morts au fond de la radio, salutations extra-terrestres indiscernables… 

L'air que nous respirons est une fumée opaque pleine de sens avec laquelle des Indiens transparents nous font signe. Adam Greenfield, auteur d'Everyware, consacré à l'informatique ubiquiste, souligne la nécessité d'avoir des « traducteurs, des gens capables d'ouvrir ces systèmes occultes, de les démystifier, d'expliquer leurs implications aux gens dont l'environnement et les vies sont de plus en plus conditionnées par elles ». Artistes et hackeurs, bidouilleurs d'ondes et ghostbusters s'emploient à révéler l'invisible, à nous faire ressentir les flux électromagnétiques jusque dans nos chairs.

En examinant les innombrables "sans fil" qui nous relient au monde, on se figurera peut-être un peu mieux l'impalpable qui nous enveloppe – appelée autrefois éther – aujourd'hui en promo dans toutes les offres 4G sans engagement.

Marie Lechner est journaliste à Libération. Elle suit depuis quinze ans les cultures numériques.

© Visuels : Cédric Scandella

Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

(Ether) 

Le Wifi, de l’Antiquité à nos jours 

Marie Lechner
Une histoire du sans fil

Avec ou sans forfait à 30 € par mois, chacun d'entre nous est traversé des milliards de fois par seconde par des milliards de messages en tout genre : ultrasons excitant le chat à nos pieds, clignotement ultrarapide des couleurs aux alentours, particules élémentaires tout juste éjectées du soleil, conversation téléphonique du voisin de droite, série de bits détournée par la NSA, voix des morts au fond de la radio, salutations extra-terrestres indiscernables… 

L'air que nous respirons est une fumée opaque pleine de sens avec laquelle des Indiens transparents nous font signe. Adam Greenfield, auteur d'Everyware, consacré à l'informatique ubiquiste, souligne la nécessité d'avoir des « traducteurs, des gens capables d'ouvrir ces systèmes occultes, de les démystifier, d'expliquer leurs implications aux gens dont l'environnement et les vies sont de plus en plus conditionnées par elles ». Artistes et hackeurs, bidouilleurs d'ondes et ghostbusters s'emploient à révéler l'invisible, à nous faire ressentir les flux électromagnétiques jusque dans nos chairs.

En examinant les innombrables "sans fil" qui nous relient au monde, on se figurera peut-être un peu mieux l'impalpable qui nous enveloppe – appelée autrefois éther – aujourd'hui en promo dans toutes les offres 4G sans engagement.

Marie Lechner est journaliste à Libération. Elle suit depuis quinze ans les cultures numériques.

© Visuels : Cédric Scandella

Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Théâtre de Villeneuve-lès-Maguelone, scène conventionnée pour les Jeunes Publics en Languedoc-Roussillon vous accueille autour d’une dégustation de vins régionaux. Au menu, une visite du lieu, beaucoup de convivialité, des échanges informels entre professionnels et deux spectacles pour terminer la soirée. Venez faire état de ce qui se passe dans votre pays autour du jeune public.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Théâtre de Villeneuve-lès-Maguelone, scène conventionnée pour les Jeunes Publics en Languedoc-Roussillon vous accueille autour d’une dégustation de vins régionaux. Au menu, une visite du lieu, beaucoup de convivialité, des échanges informels entre professionnels et deux spectacles pour terminer la soirée. Venez faire état de ce qui se passe dans votre pays autour du jeune public.

Compagnie: Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi de grèves, de mobilisations et d’autogestion, les ouvriers de l’usine d’électroménager Numax décidèrent de tourner un film avec Joaquim Jordà. Dans ce film – Numax, présenta – sont collectées les discussions des assemblées. RE–présentation: Numax propose de les re-faire. RE-présentation est un dispositif théâtral de re-construction de situations. Wikipédia dit: « La recréation (ou reenactment en anglais) est une méthode d’approximation de l’histoire qui consiste à recréer certains aspects d’un événement, d’une période historique ou d’un mode de vie singulier, en s’appuyant sur des documents originaux. Les activités de recréation ne sont pas nouvelles. Au Moyen-Âge, les tournois reprenaient souvent des thèmes romains. Les Romains eux aussi ont reconstitué des batailles navales ou terrestres fameuses qu’ils montraient comme des spectacles dans le Colisée. Le concept d’histoire vivante décrit les tentatives de rapprocher l’histoire et la vie, ceci pour la jouissance du public ou des participants eux-mêmes ». 

RE–présentation a été proposée dans le cadre des Soirées Pré-fab/Prefab au FRAC Basse-Normandie, conçues comme une suite de l'exposition « La Soupe américaine »/« The American Soup » de Jordi Colomer.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info
Production : Elèctrica Produccions 
Coproduction : FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone).

Pièce de Roger Bernat
Programmation : Matteo Sisti Sette
Coordination: Helena Febres
Remerciements: Jordi Colomer, Carolina Olivares, Txalo Toloza, Noe Laviana et Pablo González Morandi *Spectacle destiné au public anglophone, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Compagnie: Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi de grèves, de mobilisations et d’autogestion, les ouvriers de l’usine d’électroménager Numax décidèrent de tourner un film avec Joaquim Jordà. Dans ce film – Numax, présenta – sont collectées les discussions des assemblées. RE–présentation: Numax propose de les re-faire. RE-présentation est un dispositif théâtral de re-construction de situations. Wikipédia dit: « La recréation (ou reenactment en anglais) est une méthode d’approximation de l’histoire qui consiste à recréer certains aspects d’un événement, d’une période historique ou d’un mode de vie singulier, en s’appuyant sur des documents originaux. Les activités de recréation ne sont pas nouvelles. Au Moyen-Âge, les tournois reprenaient souvent des thèmes romains. Les Romains eux aussi ont reconstitué des batailles navales ou terrestres fameuses qu’ils montraient comme des spectacles dans le Colisée. Le concept d’histoire vivante décrit les tentatives de rapprocher l’histoire et la vie, ceci pour la jouissance du public ou des participants eux-mêmes ». 

RE–présentation a été proposée dans le cadre des Soirées Pré-fab/Prefab au FRAC Basse-Normandie, conçues comme une suite de l'exposition « La Soupe américaine »/« The American Soup » de Jordi Colomer.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info
Production : Elèctrica Produccions 
Coproduction : FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone).

Pièce de Roger Bernat
Programmation : Matteo Sisti Sette
Coordination: Helena Febres
Remerciements: Jordi Colomer, Carolina Olivares, Txalo Toloza, Noe Laviana et Pablo González Morandi *Spectacle destiné au public anglophone, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Eszter Salamon et Christine de Smedt

Dance #2 est la suite de Dance #1/Driftworks, duo formé en 2007 par Salamon et Smedt (présenté en 2008 au CCN Montpellier Languedoc-Roussillon). Il approfondit certains aspects explorés dans le duo précédent : la relation entre le mouvement et la voix. À travers plusieurs pièces de différentes durées, Dance #2 essaie de développer les possibilités du dialogue entre deux artistes mélangeant mots et attitudes corporelles pour créer un nouveau langage hybride. On pourrait comparer ce jeu à l’invention par l’apprentissage collectif d’une langue, dérivé poétique de toute relation à la fois artistique et amoureuse. Les spectateurs cohabitent dans l’espace des interprètes et égrènent leurs corps dans une dimension horizontale.

Alexandra Wellensiek • production@eszter-salamon.com
www.eszter-salamon.com
Production : Le Kwatt, Eszter Salamon, Christine de Smedt
Remerciements : Alexandra Wellensiek
Chorégraphie et interprétation : Eszter Salamon, Christine de Smedt 

*Dans le cadre de ] domaines [ production CCN Montpellier Languedoc-Roussillon, pour la saison 2013-2014 de Montpellier Danse, avec le soutien de l’Onda et de Réseau en scène Languedoc-Roussillon

La Grande Mêlée  *D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher *Programmé par le Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier

La Grande Mêlée  *D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher *Programmé par le Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier

Eszter Salamon et Christine de Smedt

Dance #2 est la suite de Dance #1/Driftworks, duo formé en 2007 par Salamon et Smedt (présenté en 2008 au CCN Montpellier Languedoc-Roussillon). Il approfondit certains aspects explorés dans le duo précédent : la relation entre le mouvement et la voix. À travers plusieurs pièces de différentes durées, Dance #2 essaie de développer les possibilités du dialogue entre deux artistes mélangeant mots et attitudes corporelles pour créer un nouveau langage hybride. On pourrait comparer ce jeu à l’invention par l’apprentissage collectif d’une langue, dérivé poétique de toute relation à la fois artistique et amoureuse. Les spectateurs cohabitent dans l’espace des interprètes et égrènent leurs corps dans une dimension horizontale.

Alexandra Wellensiek • production@eszter-salamon.com
www.eszter-salamon.com
Production : Le Kwatt, Eszter Salamon, Christine de Smedt
Remerciements : Alexandra Wellensiek
Chorégraphie et interprétation : Eszter Salamon, Christine de Smedt 

*Dans le cadre de ] domaines [ production CCN Montpellier Languedoc-Roussillon, pour la saison 2013-2014 de Montpellier Danse, avec le soutien de l’Onda et de Réseau en scène Languedoc-Roussillon

Les Nuits Claires

“Un jour.
Une princesse. Un palais.
Blanche est parfaite.  
Son palais, entouré de murs invisibles.
Sa vie, une suite de rituels ordonnés et solitaires.
Dans le palais de Blanche, tout est maîtrisé, verrouillé, cadenassé.
Alors comment s’étonner qu’un jour la voix s’échappe, le corps déraille, les portes s’ouvrent et que sous la poussée des éléments, le palais explose ? Et Blanche aussi est un conte à la fois poétique et humoristique. C’est aussi un spectacle aux frontières entre théâtre, danse et mime, qui s’ancre sur une grammaire gestuelle et une poétique du corps.”

Sur scène, la conteuse et la princesse. La première vous raconte l’histoire, la seconde vit et se déploie sous vos yeux. Tantôt la conteuse mène le récit, tantôt elle semble guidée par la princesse. Narration double où l’action de l’une prolonge la parole de l’autre, en donne une traduction inédite, un démenti humoristique.

Nous avons voulu un décor immatériel, entièrement figuré par la lumière. Le palais est un lieu concret mais aussi mental. Ainsi le geste dialogue avec l’espace, mais aussi avec les sons, la voix de la conteuse. Il est le centre d’une partition foisonnante, où tout danse... Guidé par la narratrice, le spectateur fait peu à peu sien le langage de la princesse. Voilà pourquoi, Et blanche aussi est également un récit ouvert auquel chacun peut s’identifier.

Maïa Jannel, diffusion • diffusion@lesnuitsclaires.fr
Elisa Cornillac, administratrice
www.lesnuitsclaires.fr

Coproductions : Théâtre de Villeneuve-lès-Maguelone, Scène conventionnée pour les jeunes publics en Languedoc-Roussillon. Avec l’aide du ministère de la Communauté française de Belgique, Service du Théâtre (Belgique) 
Soutiens : Jeune Théâtre National, Paris • Théâtre de la Galafronie, Bruxelles • Mairie de Paris, Jeune Talent 2007 spectacle vivant • Agence Wallonie Bruxelles Théâtre Danse, Onda (French Office for Performing Art Circulation) 
Avec le concours du Département de l’Hérault

Auteure : Aurélie Namur
Metteure en scène & dramaturge : Félicie Artaud
Interprétation : Aurélie Namur & Félicie Artaud ou Estelle Franco
Collaboratrice artistique : Sophie Leso
Costumière : Geneviève Joris
Créateur lumière : Dimitri Joukovsky
Créateur décor sonore et régisseur : Antoine Blanquart
Chargée de diffusion jeune public : My Linh Bui *Spectacle jeune public, programmé dans le cadre d’Ourcéanie

Les Nuits Claires

“Un jour.
Une princesse. Un palais.
Blanche est parfaite.  
Son palais, entouré de murs invisibles.
Sa vie, une suite de rituels ordonnés et solitaires.
Dans le palais de Blanche, tout est maîtrisé, verrouillé, cadenassé.
Alors comment s’étonner qu’un jour la voix s’échappe, le corps déraille, les portes s’ouvrent et que sous la poussée des éléments, le palais explose ? Et Blanche aussi est un conte à la fois poétique et humoristique. C’est aussi un spectacle aux frontières entre théâtre, danse et mime, qui s’ancre sur une grammaire gestuelle et une poétique du corps.”

Sur scène, la conteuse et la princesse. La première vous raconte l’histoire, la seconde vit et se déploie sous vos yeux. Tantôt la conteuse mène le récit, tantôt elle semble guidée par la princesse. Narration double où l’action de l’une prolonge la parole de l’autre, en donne une traduction inédite, un démenti humoristique.

Nous avons voulu un décor immatériel, entièrement figuré par la lumière. Le palais est un lieu concret mais aussi mental. Ainsi le geste dialogue avec l’espace, mais aussi avec les sons, la voix de la conteuse. Il est le centre d’une partition foisonnante, où tout danse... Guidé par la narratrice, le spectateur fait peu à peu sien le langage de la princesse. Voilà pourquoi, Et blanche aussi est également un récit ouvert auquel chacun peut s’identifier.

Maïa Jannel, diffusion • diffusion@lesnuitsclaires.fr
Elisa Cornillac, administratrice
www.lesnuitsclaires.fr

Coproductions : Théâtre de Villeneuve-lès-Maguelone, Scène conventionnée pour les jeunes publics en Languedoc-Roussillon. Avec l’aide du ministère de la Communauté française de Belgique, Service du Théâtre (Belgique) 
Soutiens : Jeune Théâtre National, Paris • Théâtre de la Galafronie, Bruxelles • Mairie de Paris, Jeune Talent 2007 spectacle vivant • Agence Wallonie Bruxelles Théâtre Danse, Onda (French Office for Performing Art Circulation) 
Avec le concours du Département de l’Hérault

Auteure : Aurélie Namur
Metteure en scène & dramaturge : Félicie Artaud
Interprétation : Aurélie Namur & Félicie Artaud ou Estelle Franco
Collaboratrice artistique : Sophie Leso
Costumière : Geneviève Joris
Créateur lumière : Dimitri Joukovsky
Créateur décor sonore et régisseur : Antoine Blanquart
Chargée de diffusion jeune public : My Linh Bui *Spectacle jeune public, programmé dans le cadre d’Ourcéanie

Compagnie: Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi de grèves, de mobilisations et d’autogestion, les ouvriers de l’usine d’électroménager Numax décidèrent de tourner un film avec Joaquim Jordà. Dans ce film – Numax, présenta – sont collectées les discussions des assemblées. RE–présentation: Numax propose de les re-faire. RE-présentation est un dispositif théâtral de re-construction de situations. Wikipédia dit: « La recréation (ou reenactment en anglais) est une méthode d’approximation de l’histoire qui consiste à recréer certains aspects d’un événement, d’une période historique ou d’un mode de vie singulier, en s’appuyant sur des documents originaux. Les activités de recréation ne sont pas nouvelles. Au Moyen-Âge, les tournois reprenaient souvent des thèmes romains. Les Romains eux aussi ont reconstitué des batailles navales ou terrestres fameuses qu’ils montraient comme des spectacles dans le Colisée. Le concept d’histoire vivante décrit les tentatives de rapprocher l’histoire et la vie, ceci pour la jouissance du public ou des participants eux-mêmes ». 

RE–présentation a été proposée dans le cadre des Soirées Pré-fab/Prefab au FRAC Basse-Normandie, conçues comme une suite de l'exposition « La Soupe américaine »/« The American Soup » de Jordi Colomer.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info
Production : Elèctrica Produccions 
Coproduction : FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone).

Pièce de Roger Bernat
Programmation : Matteo Sisti Sette
Coordination: Helena Febres
Remerciements: Jordi Colomer, Carolina Olivares, Txalo Toloza, Noe Laviana et Pablo González Morandi *Spectacle destiné au public francophone, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Compagnie: Roger Bernat/FFF

En 1979, après deux ans et demi de grèves, de mobilisations et d’autogestion, les ouvriers de l’usine d’électroménager Numax décidèrent de tourner un film avec Joaquim Jordà. Dans ce film – Numax, présenta – sont collectées les discussions des assemblées. RE–présentation: Numax propose de les re-faire. RE-présentation est un dispositif théâtral de re-construction de situations. Wikipédia dit: « La recréation (ou reenactment en anglais) est une méthode d’approximation de l’histoire qui consiste à recréer certains aspects d’un événement, d’une période historique ou d’un mode de vie singulier, en s’appuyant sur des documents originaux. Les activités de recréation ne sont pas nouvelles. Au Moyen-Âge, les tournois reprenaient souvent des thèmes romains. Les Romains eux aussi ont reconstitué des batailles navales ou terrestres fameuses qu’ils montraient comme des spectacles dans le Colisée. Le concept d’histoire vivante décrit les tentatives de rapprocher l’histoire et la vie, ceci pour la jouissance du public ou des participants eux-mêmes ». 

RE–présentation a été proposée dans le cadre des Soirées Pré-fab/Prefab au FRAC Basse-Normandie, conçues comme une suite de l'exposition « La Soupe américaine »/« The American Soup » de Jordi Colomer.

Helena Febrés, diffusion/production • febres@rogerbernat.info
www.rogerbernat.info
Production : Elèctrica Produccions 
Coproduction : FRAC Basse-Normandie (Caen) • Temporada Alta (Gérone).

Pièce de Roger Bernat
Programmation : Matteo Sisti Sette
Coordination: Helena Febres
Remerciements: Jordi Colomer, Carolina Olivares, Txalo Toloza, Noe Laviana et Pablo González Morandi *Spectacle destiné au public francophone, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Venez rencontrer Martine, dans son atelier, pour partager un moment hors du temps, à la découverte de l’histoire d’un instrument de musique mythique, et de sa fabrication. Assistez en petit comité, loin du tumulte des rencontres, à la résurrection d’un savoir-faire pourtant disparu au 19e siècle, aujourd’hui au service des plus grands orchestres. Ressortez-en, vous aussi, transformés!

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Venez rencontrer Martine, dans son atelier, pour partager un moment hors du temps, à la découverte de l’histoire d’un instrument de musique mythique, et de sa fabrication. Assistez en petit comité, loin du tumulte des rencontres, à la résurrection d’un savoir-faire pourtant disparu au 19e siècle, aujourd’hui au service des plus grands orchestres. Ressortez-en, vous aussi, transformés!

Compagnie Rara Woulib 

Des ombres dansent à un carrefour, on sent leur présence derrière un mur, on entend un rire au coin d’une rue. Lentement, elles s’emparent du béton, le rythme syncopé de leurs tambours et les mélodies enivrantes de leurs trompes nous transportent de l’autre côté... Deblozay (« désordre » en créole haïtien) est un cheminement à travers la mémoire de la ville et de ses habitants. Les guédés, mystérieux revenants, nous emmènent à la recherche des traces du passé. Objet théâtral hybride, Deblozay nous convie à la redécouverte des lieux oubliés de la ville, et rend visible ce qui, au quotidien, reste invisible, dans ce court intervalle de rêve. Au cours d’un voyage insolite vers une destination inconnue, Rara Woulib nous entraîne, à travers une épopée secrète, au cœur de la nuit. Dans la soirée, Deblozay va hanter les rues du centre ville de Montpellier... Ces apparitions nocturnes nous préparent à la grande nuit de la ZAT du samedi 19 avril de 20h à l’aube au parc Malbosc.

Production Rara Woulib Coproduction Lieux publics • Atelier 231 • Projet META in situ
Metteur en scène Julien Marchaisseau Comédiens, musiciens Julie Avril, Frédéric Blancot, Anne-Sophie Boivin, César Bouteau, Olivier Boyer, Mireille Brun, Jérémi Charras, France Davin, Pierrick de Salvert, Cyril Fayard, Donata Lelleri, Xavier Marguin, Pierre Mougne, Vincent Salagnac, Alexandra Satger, Florent Thiollier, Julien Tribout.
Régie générale Sébastien Castelain Aérien / accroches Rémi Legeay Régie lumière Thomas Lelay Pyrotechnie Marine Charlot Construction, scénographie Matthieu Perot
Composition électroacoustique, ingénieur du son Jérémy Perrouin

Spectacle programmé en amorce de la ZAT, Ville de Montpellier

Compagnie Rara Woulib 

Des ombres dansent à un carrefour, on sent leur présence derrière un mur, on entend un rire au coin d’une rue. Lentement, elles s’emparent du béton, le rythme syncopé de leurs tambours et les mélodies enivrantes de leurs trompes nous transportent de l’autre côté... Deblozay (« désordre » en créole haïtien) est un cheminement à travers la mémoire de la ville et de ses habitants. Les guédés, mystérieux revenants, nous emmènent à la recherche des traces du passé. Objet théâtral hybride, Deblozay nous convie à la redécouverte des lieux oubliés de la ville, et rend visible ce qui, au quotidien, reste invisible, dans ce court intervalle de rêve. Au cours d’un voyage insolite vers une destination inconnue, Rara Woulib nous entraîne, à travers une épopée secrète, au cœur de la nuit. Dans la soirée, Deblozay va hanter les rues du centre ville de Montpellier... Ces apparitions nocturnes nous préparent à la grande nuit de la ZAT du samedi 19 avril de 20h à l’aube au parc Malbosc.

Production Rara Woulib Coproduction Lieux publics • Atelier 231 • Projet META in situ
Metteur en scène Julien Marchaisseau Comédiens, musiciens Julie Avril, Frédéric Blancot, Anne-Sophie Boivin, César Bouteau, Olivier Boyer, Mireille Brun, Jérémi Charras, France Davin, Pierrick de Salvert, Cyril Fayard, Donata Lelleri, Xavier Marguin, Pierre Mougne, Vincent Salagnac, Alexandra Satger, Florent Thiollier, Julien Tribout.
Régie générale Sébastien Castelain Aérien / accroches Rémi Legeay Régie lumière Thomas Lelay Pyrotechnie Marine Charlot Construction, scénographie Matthieu Perot
Composition électroacoustique, ingénieur du son Jérémy Perrouin

Spectacle programmé en amorce de la ZAT, Ville de Montpellier

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

“Around the block“/ Cie Asphalt Piloten (Berlin)
Atelline, Lieu de Fabrique Arts de la Rue Languedoc-Roussillon invites you to meet the artistic team, eminently European and multidisciplinary at work, in and with the urban space. Come have your coffee with us and talk about their approach and artistic materials: dance, video, architecture, sound, etc.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

“Around the block“/ Cie Asphalt Piloten (Berlin)
Atelline, Lieu de Fabrique Arts de la Rue Languedoc-Roussillon invites you to meet the artistic team, eminently European and multidisciplinary at work, in and with the urban space. Come have your coffee with us and talk about their approach and artistic materials: dance, video, architecture, sound, etc.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Venez découvrir la Friche de Mimi, espace atypique au cœur du quartier de Figuerolles. Ce lieu regroupe artistes locaux et structures d’accompagnement. Profitez de leur travail de mise en partage avec des lieux similaires du Languedoc-Roussillon dans un cadre agréable et ouvert pour vous offrir à d’autres réseaux.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Découvrez la ville portuaire de Sète, à 20 minutes de Montpellier, et profitez d'une matinée détendue en compagnie de l'équipe du Centre Régional d'Art Contemporain. Au programme, visite de l'exposition, balade sur le port et les canaux et dégustations gastronomiques. Apprenez ce que sont "les joutes nautiques" et les "tielles", en dégustant les huitres et le vin blanc du coin.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Découvrez la ville portuaire de Sète, à 20 minutes de Montpellier, et profitez d'une matinée détendue en compagnie de l'équipe du Centre Régional d'Art Contemporain. Au programme, visite de l'exposition, balade sur le port et les canaux et dégustations gastronomiques. Apprenez ce que sont "les joutes nautiques" et les "tielles", en dégustant les huitres et le vin blanc du coin.

Ces visites sont organisées autour du programme des groupes de travail et des spectacles afin de faire découvrir aux membres un espace insolite de la ville ou encore les coulisses d'un lieu culturel. Chaque visite est pensée sur mesure pour les membres de l'IETM.

Venez découvrir la Friche de Mimi, espace atypique au cœur du quartier de Figuerolles. Ce lieu regroupe artistes locaux et structures d’accompagnement. Profitez de leur travail de mise en partage avec des lieux similaires du Languedoc-Roussillon dans un cadre agréable et ouvert pour vous offrir à d’autres réseaux.

Myriam Gourfink 

Cie LOLdanse

Triple est une réactualisation d'un travail plus ancien, Marine, que nous avons grand plaisir à revisiter. Pour cette forme, plus complexe, mais dévoilant plus de la construction interne du projet (qui est basé, pour sa partie chorégraphique, sur des choix aléatoires dans un ensemble de possibles strictement notés, dont la somme dépasse largement la durée de la pièce, donc dont tous les éléments ne sont jamais dansés lors d'une représentation) le choix a été fait de donner à voir – ou percevoir – TROIS réalisations simultanées de la même proposition : forcément différentes, mais fondamentalement imbriquées et identiques – comme trois chemins indépendants choisis sur une carte commune. Les trois danseuses sont placées indépendamment, dans trois espaces que l'on peut peut-être voir en même temps mais aussi, mieux, qui obligent à un déplacement et ne permettent pas de tout voir dans le même regard ; et c'est le déplacement et l'imagination du spectateur qui recréent l'ensemble, à partir des bribes perçues. Chaque danseuse est au centre d'un cercle de 2 m de diamètre, délimité par deux haut-parleurs, n'imposant pas une vision unique ni frontale de son univers. La musique – une longue montée électronique formée de 666 sons "purs" – est "presque" la même pour les trois espaces, excepté un léger jeu de décalages temporels variant en continu sur quelques centaines de millisecondes, faisant ainsi les trois espaces se courir après, se doubler et se répondre en permanence. La durée de la musique est de 28 minutes et 58 secondes, la danse peut être légèrement plus longue ou plus courte de quelques 20 secondes.

Damien Valette, diffusion, production • valette.d@gmail.com
www.jgdv.net
www.myriam-gourfink.com

Ecriture de la partition chorégraphique : Myriam Gourfink
Danse : Myriam Gourfink, Cindy van Acker et Carole Garriga
Composition et live-electronics : Kasper T. Toeplitz 
Régie technique et mise en son : Zakariyya Cammoun
Costumes : Kova

L’association Loldanse est soutenue par le ministère de la Culture et de la Communication, DRAC Île-de-France.

Myriam Gourfink/association Loldanse est en résidence au Forum, Scène conventionnée du Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

Myriam Gourfink 

Cie LOLdanse

Triple est une réactualisation d'un travail plus ancien, Marine, que nous avons grand plaisir à revisiter. Pour cette forme, plus complexe, mais dévoilant plus de la construction interne du projet (qui est basé, pour sa partie chorégraphique, sur des choix aléatoires dans un ensemble de possibles strictement notés, dont la somme dépasse largement la durée de la pièce, donc dont tous les éléments ne sont jamais dansés lors d'une représentation) le choix a été fait de donner à voir – ou percevoir – TROIS réalisations simultanées de la même proposition : forcément différentes, mais fondamentalement imbriquées et identiques – comme trois chemins indépendants choisis sur une carte commune. Les trois danseuses sont placées indépendamment, dans trois espaces que l'on peut peut-être voir en même temps mais aussi, mieux, qui obligent à un déplacement et ne permettent pas de tout voir dans le même regard ; et c'est le déplacement et l'imagination du spectateur qui recréent l'ensemble, à partir des bribes perçues. Chaque danseuse est au centre d'un cercle de 2 m de diamètre, délimité par deux haut-parleurs, n'imposant pas une vision unique ni frontale de son univers. La musique – une longue montée électronique formée de 666 sons "purs" – est "presque" la même pour les trois espaces, excepté un léger jeu de décalages temporels variant en continu sur quelques centaines de millisecondes, faisant ainsi les trois espaces se courir après, se doubler et se répondre en permanence. La durée de la musique est de 28 minutes et 58 secondes, la danse peut être légèrement plus longue ou plus courte de quelques 20 secondes.

Damien Valette, diffusion, production • valette.d@gmail.com
www.jgdv.net
www.myriam-gourfink.com

Ecriture de la partition chorégraphique : Myriam Gourfink
Danse : Myriam Gourfink, Cindy van Acker et Carole Garriga
Composition et live-electronics : Kasper T. Toeplitz 
Régie technique et mise en son : Zakariyya Cammoun
Costumes : Kova

L’association Loldanse est soutenue par le ministère de la Culture et de la Communication, DRAC Île-de-France.

Myriam Gourfink/association Loldanse est en résidence au Forum, Scène conventionnée du Blanc-Mesnil avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

American Rock Trip - Stéphane Malfettes
Les Etats-Unis à travers leurs musées du rock et autres cabinets de curiosités pop

De la maison de Johnny Cash à la chambre à coucher de Britney Spears en passant par l’enfer de Jerry Lee Lewis, le bunker du plus grand fan au monde d’Elvis Presley ou le « Louvre du rock’n’roll » à Cleveland… 12 000 kilomètres parcourus pied au plancher à travers les Etats-Unis pour visiter les musées et autres singularités que les Américains consacrent aux musiques qu’ils ont inventées (rock, blues, country music). Visiter ces sites patrimoniaux d’un nouveau genre permet une confrontation directe et irremplaçable avec la façon dont les Américains tentent de construire leur histoire nationale avec des guitares électriques et des bottes de cowboy. Au Nouveau Monde, il n’y a en effet pas de Chapelle Sixtine mais il y a Bruce Springsteen ! De ce périple haletant, Stéphane Malfettes a tiré un livre, American Rock Trip (éd. Zones Sensibles), qu’il décline en « stand-up conférence » avec un casting de personnages haut en couleur, des photos et des vidéos en pagaille, des extraits musicaux en veux-tu en voilà. Mieux qu’une réunion PowerPoint ou qu’une soirée diapos entre amis : le rock tel que vous ne l’avez jamais vu, lu, entendu !

« La trame de cet American Rock Trip est fichtrement excitante. Si on sent que Stéphane Malfettes s’est "éclaté" à bouffer du bitume, tout le plaisir est pour nous. » (Rolling Stones, avril 2012).

Stéphane Malfettes est programmateur pour le spectacle vivant au Musée du Louvre, auteur (Art Press, Mouvement, hors-séries des Inrockuptibles) et cofondateur de SuperTalk.

©Visuels : Cédric Scandella
Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Les conférences SuperTalk

SuperTalk est une maison de conférences – comme il y a des « maisons d’édition » ou des « maisons de disques ». Sa vocation est de faire partager des savoirs singuliers en donnant la parole à des passionnés plutôt qu’à des mandarins. Menées en mode stand-up avec images et son en double ration, les conférences SuperTalk embrassent la culture dans ses grandes largeurs, des Soprano aux baraques à frites.

American Rock Trip - Stéphane Malfettes
Les Etats-Unis à travers leurs musées du rock et autres cabinets de curiosités pop

De la maison de Johnny Cash à la chambre à coucher de Britney Spears en passant par l’enfer de Jerry Lee Lewis, le bunker du plus grand fan au monde d’Elvis Presley ou le « Louvre du rock’n’roll » à Cleveland… 12 000 kilomètres parcourus pied au plancher à travers les Etats-Unis pour visiter les musées et autres singularités que les Américains consacrent aux musiques qu’ils ont inventées (rock, blues, country music). Visiter ces sites patrimoniaux d’un nouveau genre permet une confrontation directe et irremplaçable avec la façon dont les Américains tentent de construire leur histoire nationale avec des guitares électriques et des bottes de cowboy. Au Nouveau Monde, il n’y a en effet pas de Chapelle Sixtine mais il y a Bruce Springsteen ! De ce périple haletant, Stéphane Malfettes a tiré un livre, American Rock Trip (éd. Zones Sensibles), qu’il décline en « stand-up conférence » avec un casting de personnages haut en couleur, des photos et des vidéos en pagaille, des extraits musicaux en veux-tu en voilà. Mieux qu’une réunion PowerPoint ou qu’une soirée diapos entre amis : le rock tel que vous ne l’avez jamais vu, lu, entendu !

« La trame de cet American Rock Trip est fichtrement excitante. Si on sent que Stéphane Malfettes s’est "éclaté" à bouffer du bitume, tout le plaisir est pour nous. » (Rolling Stones, avril 2012).

Stéphane Malfettes est programmateur pour le spectacle vivant au Musée du Louvre, auteur (Art Press, Mouvement, hors-séries des Inrockuptibles) et cofondateur de SuperTalk.

©Visuels : Cédric Scandella
Production: SuperTalk
contact@supertalk.fr
www.supertalk.fr

Eszter Salamon et Christine de Smedt

Dance #2 est la suite de Dance #1/Driftworks, duo formé en 2007 par Salamon et Smedt (présenté en 2008 au CCN Montpellier Languedoc-Roussillon). Il approfondit certains aspects explorés dans le duo précédent : la relation entre le mouvement et la voix. À travers plusieurs pièces de différentes durées, Dance #2 essaie de développer les possibilités du dialogue entre deux artistes mélangeant mots et attitudes corporelles pour créer un nouveau langage hybride. On pourrait comparer ce jeu à l’invention par l’apprentissage collectif d’une langue, dérivé poétique de toute relation à la fois artistique et amoureuse. Les spectateurs cohabitent dans l’espace des interprètes et égrènent leurs corps dans une dimension horizontale.

Alexandra Wellensiek • production@eszter-salamon.com
www.eszter-salamon.com
Production : Le Kwatt, Eszter Salamon, Christine de Smedt
Remerciements : Alexandra Wellensiek
Chorégraphie et interprétation : Eszter Salamon, Christine de Smedt 

*Dans le cadre de ] domaines [ production CCN Montpellier Languedoc-Roussillon, pour la saison 2013-2014 de Montpellier Danse, avec le soutien de l’Onda et de Réseau en scène Languedoc-Roussillon

Yan Duyvendak et Roger Bernat

Compagnie Yan Duyvendak

A vous de juger. La décision de justice dépend-elle de l’humeur du juge ? Du profil des jurés ? De la performance des avocats ? Comment se forge l’intime conviction dans le rituel théâtralisé du procès ? A chaque représentation, le personnel judiciaire recruté sur le lieu du spectacle joue pour de vrai le faux procès d’Hamlet, le héros de Shakespeare à peine revisité, accusé du meurtre de Polonius. Témoignage, expertise, plaidoirie, Please, Continue (Hamlet) met en scène le drôle de spectacle de la justice et le caractère éternellement insaisissable de la vérité. 

Nataly Sugnaux Hernandez, production/management • nataly.sugnaux@duyvendak.com
www.duyvendak.com

Production : Dreams Come True, Genève

Coproductions : Le Phénix, Scène nationale de Valenciennes • Huis a/d Werf, Utrecht • Théâtre du GRÜ, Genève
Résidences : Montévidéo, Marseille • Le Carré/Les Colonnes, Scène conventionnée, Saint-Médard-en-Jalles/Blanquefort

Soutiens : Ville de Genève • République et Canton de Genève • Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture • Migros pour-cent culturel • Loterie Romande • Ministerio de Cultura-INAEM • CORODIS • Le Nouveau Théâtre de Montreuil, Centre dramatique national

Conception : Yan Duyvendak et Roger Bernat
Avec : Monica Budde ou Véronique Alain, Hélène Hudovernik ou Claire Delaporte, Manuel Vallade ou Thierry Raynaud et des professionnels de la Cour locale
Scénographie : en collaboration avec Sylvie Kleiber

Technique: Gaël Grivet

*Spectacle destiné aux Francophones, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Yan Duyvendak et Roger Bernat

Compagnie Yan Duyvendak

A vous de juger. La décision de justice dépend-elle de l’humeur du juge ? Du profil des jurés ? De la performance des avocats ? Comment se forge l’intime conviction dans le rituel théâtralisé du procès ? A chaque représentation, le personnel judiciaire recruté sur le lieu du spectacle joue pour de vrai le faux procès d’Hamlet, le héros de Shakespeare à peine revisité, accusé du meurtre de Polonius. Témoignage, expertise, plaidoirie, Please, Continue (Hamlet) met en scène le drôle de spectacle de la justice et le caractère éternellement insaisissable de la vérité. 

Nataly Sugnaux Hernandez, production/management • nataly.sugnaux@duyvendak.com
www.duyvendak.com

Production : Dreams Come True, Genève

Coproductions : Le Phénix, Scène nationale de Valenciennes • Huis a/d Werf, Utrecht • Théâtre du GRÜ, Genève
Résidences : Montévidéo, Marseille • Le Carré/Les Colonnes, Scène conventionnée, Saint-Médard-en-Jalles/Blanquefort

Soutiens : Ville de Genève • République et Canton de Genève • Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture • Migros pour-cent culturel • Loterie Romande • Ministerio de Cultura-INAEM • CORODIS • Le Nouveau Théâtre de Montreuil, Centre dramatique national

Conception : Yan Duyvendak et Roger Bernat
Avec : Monica Budde ou Véronique Alain, Hélène Hudovernik ou Claire Delaporte, Manuel Vallade ou Thierry Raynaud et des professionnels de la Cour locale
Scénographie : en collaboration avec Sylvie Kleiber

Technique: Gaël Grivet

*Spectacle destiné aux Francophones, programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Eszter Salamon et Christine de Smedt

Dance #2 est la suite de Dance #1/Driftworks, duo formé en 2007 par Salamon et Smedt (présenté en 2008 au CCN Montpellier Languedoc-Roussillon). Il approfondit certains aspects explorés dans le duo précédent : la relation entre le mouvement et la voix. À travers plusieurs pièces de différentes durées, Dance #2 essaie de développer les possibilités du dialogue entre deux artistes mélangeant mots et attitudes corporelles pour créer un nouveau langage hybride. On pourrait comparer ce jeu à l’invention par l’apprentissage collectif d’une langue, dérivé poétique de toute relation à la fois artistique et amoureuse. Les spectateurs cohabitent dans l’espace des interprètes et égrènent leurs corps dans une dimension horizontale.

Alexandra Wellensiek • production@eszter-salamon.com
www.eszter-salamon.com
Production : Le Kwatt, Eszter Salamon, Christine de Smedt
Remerciements : Alexandra Wellensiek
Chorégraphie et interprétation : Eszter Salamon, Christine de Smedt 

*Dans le cadre de ] domaines [ production CCN Montpellier Languedoc-Roussillon, pour la saison 2013-2014 de Montpellier Danse, avec le soutien de l’Onda et de Réseau en scène Languedoc-Roussillon

Jonathan Capdevielle 

Adishatz dresse un autoportrait fragile des plus particuliers. Convoquant le registre de l’autofiction, sorte de documentaire sous forme de confession qui met en évidence l’itinéraire d’un personnage entre vie réelle et vie fantasmée ou rêvée, cette pièce est écrite à partir de chansons, de conversations, qui évoquent comme des carnets intimes, les racines ou la famille.

Adishatz est construit à partir de la technique de l’imitation souvent utilisée pour divertir. Je la détourne avec une force autrement plus trouble. Comme une cassette vierge sur laquelle j’enregistrerais le monde qui m’entoure et me constitue. 

Ce personnage ambivalent que j'interprète vacille entre grâce et grossièreté. Le recours au travestissement permet d’accentuer l’idée d’une certaine solitude, tout en évoquant quelque chose de délicat et sensible. Le travestissement est commun à l’homme et à la femme et peut être utilisé pour les deux sexes. Une étrangeté, un trouble qui permettent tous les retournements ou détournements. 

La solitude est perceptible : elle est triste et mélancolique mais jamais tragique. Je souhaite travailler sur la nostalgie des choses, pour convoquer cette mémoire fondatrice de l’identité : l’enfance ou l’adolescence, nostalgie de ces tubes d’hier qui ont marqué mon vécu et qui résonnent encore aujourd’hui... Je désire réactiver les souvenirs, stimuler la mémoire du public.

La pièce prend ici une dimension cathartique où l’identité du personnage se révèle au fur et à mesure mais ne sera probablement jamais claire : ambivalente, complexe, drôle ou triste, homme ou femme, puissante ou fragile, entre vie réelle et vie fantasmée.

Bureau Cassiopée
Léonor Baudouin, production et diffusion • leonor@bureaucassiopee.fr
Production déléguée : Bureau Cassiopée Coproductions : Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon dans le cadre de ]domaines[ (FR) • Centre chorégraphique national de Franche-Comté, Belfort dans le cadre de l’accueil-studio (FR) • BIT Teatergarasjen, Bergen (NO)
Soutien : Centre national de la danse pour la mise à disposition de studios 

Conception et interprétation : Jonathan Capdevielle
Lumière : Patrick Riou
Régie générale et régie son : Christophe Le Bris
Collaboration artistique : Gisèle Vienne
Regard extérieur : Mark Tompkins 
Assistance audio : Peter Rehberg 
Assistant artistique pour les tournées : Jonathan Drillet
Avec la participation d’Écume, ensemble choral universitaire de Montpellier – direction musicale Sylvie Golgevit – avec Paco Lefort, Jean-Luc Martineau, Pierre-Yves Bruzzone, Olivier Strauss, Benoit VuillonRemerciements à Aurélien Richard, Mathieu Grenier, Tibo Javoy,Ya Basta, Jean-Louis Badet et à Barbara Watson et Henry PillsburyAvec l’aide de DACM et l’équipe technique du Quartz, Scène Nationale de Brest 

La Grande Mêlée  - D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher

Programmé par le Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier

Jonathan Capdevielle 

Adishatz dresse un autoportrait fragile des plus particuliers. Convoquant le registre de l’autofiction, sorte de documentaire sous forme de confession qui met en évidence l’itinéraire d’un personnage entre vie réelle et vie fantasmée ou rêvée, cette pièce est écrite à partir de chansons, de conversations, qui évoquent comme des carnets intimes, les racines ou la famille.

Adishatz est construit à partir de la technique de l’imitation souvent utilisée pour divertir. Je la détourne avec une force autrement plus trouble. Comme une cassette vierge sur laquelle j’enregistrerais le monde qui m’entoure et me constitue. 

Ce personnage ambivalent que j'interprète vacille entre grâce et grossièreté. Le recours au travestissement permet d’accentuer l’idée d’une certaine solitude, tout en évoquant quelque chose de délicat et sensible. Le travestissement est commun à l’homme et à la femme et peut être utilisé pour les deux sexes. Une étrangeté, un trouble qui permettent tous les retournements ou détournements. 

La solitude est perceptible : elle est triste et mélancolique mais jamais tragique. Je souhaite travailler sur la nostalgie des choses, pour convoquer cette mémoire fondatrice de l’identité : l’enfance ou l’adolescence, nostalgie de ces tubes d’hier qui ont marqué mon vécu et qui résonnent encore aujourd’hui... Je désire réactiver les souvenirs, stimuler la mémoire du public.

La pièce prend ici une dimension cathartique où l’identité du personnage se révèle au fur et à mesure mais ne sera probablement jamais claire : ambivalente, complexe, drôle ou triste, homme ou femme, puissante ou fragile, entre vie réelle et vie fantasmée.

Bureau Cassiopée
Léonor Baudouin, production et diffusion • leonor@bureaucassiopee.fr
Production déléguée : Bureau Cassiopée Coproductions : Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon dans le cadre de ]domaines[ (FR) • Centre chorégraphique national de Franche-Comté, Belfort dans le cadre de l’accueil-studio (FR) • BIT Teatergarasjen, Bergen (NO)
Soutien : Centre national de la danse pour la mise à disposition de studios 

Conception et interprétation : Jonathan Capdevielle
Lumière : Patrick Riou
Régie générale et régie son : Christophe Le Bris
Collaboration artistique : Gisèle Vienne
Regard extérieur : Mark Tompkins 
Assistance audio : Peter Rehberg 
Assistant artistique pour les tournées : Jonathan Drillet
Avec la participation d’Écume, ensemble choral universitaire de Montpellier – direction musicale Sylvie Golgevit – avec Paco Lefort, Jean-Luc Martineau, Pierre-Yves Bruzzone, Olivier Strauss, Benoit VuillonRemerciements à Aurélien Richard, Mathieu Grenier, Tibo Javoy,Ya Basta, Jean-Louis Badet et à Barbara Watson et Henry PillsburyAvec l’aide de DACM et l’équipe technique du Quartz, Scène Nationale de Brest 

La Grande Mêlée  - D’après l’œuvre de Georges Perec

Un homme qui dort raconte le détachement progressif d'un jeune homme de vingt-cinq ans vis-à-vis du monde. Un matin alors qu'il doit se rendre à un examen de sociologie, il renonce à se lever. De ce geste sans importance ou plutôt de "cette absence de geste" va découler un lent cheminement vers l'indifférence. C'est, entre sa minuscule chambre de bonne et ses promenades somnambuliques à travers une ville qui ne le reconnaît plus, que va se jouer l'expérience troublante de cette vie suspendue, "de cette vie au point mort". Finalement, ce repli ne mènera pourtant pas le jeune homme jusqu'à la disparition et il retrouvera, sous l'effet d'une averse salvatrice, le goût et la force de vivre. Un homme qui dort est écrit comme un chant intérieur, une litanie puissante et poétique. Véritable célébration de la vie dans ce qui pourrait paradoxalement ressembler à un adieu, ambigu, à l'image de cet homme qui après avoir essayé de s'extraire du monde, finira par "reprendre douloureusement pied sur la terre des vivants".

Dans une structure à la scénographie mobile, une chambre de bonne, dans un rapport bifrontal accueillant une centaine de  spectateurs, le violoncelliste Vincent Courtois et le danseur Nicolas Fayol racontent contradiction poignante entre les sentiments d’être et de ne pas être dans le monde.

Emmanuelle Hertmann, production et diffusion • contact@lagrandemelee.com
www.lagrandemelee.com

Coproductions: Théâtre de Nîmes • Théâtre des 13 vents, Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier • Scènes Croisées de Lozère.
Soutiens: Ministère de la Culture et de la Communication, Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Conseil général du Gard.

Adaptation, conception et mise en scène: Bruno Geslin
Interprètes: Vincent Courtois et Nicolas Fayol
Composition musique: Vincent Courtois
Création et régie lumière: Laurent Bénard
Création son: Teddy Degouys
Création vidéo: Quentin Vigier
Images: Bruno Geslin, Nicolas Fayol 
Scénographie: Bruno Geslin, Jean-Paul Zurcher
Construction et régie plateau: Jean-Paul Zurcher

Programmé par le Centre dramatique national Languedoc-Roussillon Montpellier

Création collective

Compagnie Moebius

Cinq trentenaires tirés de la masse des anonymes. En commun une certaine solitude et le besoin du contact, de l’expérience de l’autre. Electrons libres et désœuvrés, leurs vies se croisent comme on se croise dans la rue, sans promesse. Mais dans l’intervalle fugitif de ces rencontres quelque chose d’essentiel se joue pour chacun d’eux. Qu’ils en soient conscients ou non, tous vivent dans le sentiment d’un monde qui les dépasse, trop vaste, trop multiple pour s’y forger une identité solide. 

Enrichie de matériaux dramaturgiques divers (carnets intimes, romans, interviews…), l’écriture de ce « récit de la normalité malade » oscille entre réalisme et onirisme. Si les personnages et les situations proposés sont immédiatement reconnaissables et prennent appui sur le réel, tous contiennent une part de mystère et une dimension tragique. Dans un espace scénique très épuré où la vidéo est omniprésente, le spectateur est pris dans un flux de sensations et de rêveries qui l’interpellent sans cesse sur sa façon de regarder le monde et le renvoient à sa propre intimité. 

Lambda est la troisième création de la compagnie Moebius, collectif de comédiens issus de l’École nationale supérieure d’art dramatique de Montpellier en 2008.

Leïla Cossé, diffusion/production • moebius.diffusion@gmail.com
Sonia Marrec, administration de production
www.compagnie-moebius.com

Production: Compagnie Moebius
Coproductions : Théâtre de Nîmes, Scène conventionnée pour la danse contemporaine • Le Tricycle, Grenoble • L’Usine, lieu conventionné dédié aux arts de la rue, Tournefeuille –Toulouse Métropole
Soutiens : École nationale supérieure d’art dramatique de Montpellier Agglomération, Réseau en scène Languedoc-Roussillon 
Concours : Ministère de la Culture et de la Communication - Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Ville de Montpellier 
Accueils en résidence : Le Pot au Noir, Rivoiranche • Le Tricycle, Grenoble • L’Usine, Tournefeuille • Théâtre des 13 vents, CDN Languedoc-Roussillon Montpellier • Le Périscope, Nîmes • Théâtre La Vignette, Montpellier 
Soutien Cyril Teste (Collectif MxM)

Mise en scène : Jonathan Moussalli
Assistants à la mise en scène : Marie Vauzelle, Sabine Moindrot et Jérémy Brunet
Comédiens : Julien Anselmino, Charlotte Daquet, Clélia David, Christophe Gaultier et Marie Vires
Création lumière : Lucas Delachaux
Création son : Grégoire Durrande
Création vidéo : Nicolas Dorémus

Programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Création collective

Compagnie Moebius

Cinq trentenaires tirés de la masse des anonymes. En commun une certaine solitude et le besoin du contact, de l’expérience de l’autre. Electrons libres et désœuvrés, leurs vies se croisent comme on se croise dans la rue, sans promesse. Mais dans l’intervalle fugitif de ces rencontres quelque chose d’essentiel se joue pour chacun d’eux. Qu’ils en soient conscients ou non, tous vivent dans le sentiment d’un monde qui les dépasse, trop vaste, trop multiple pour s’y forger une identité solide. 

Enrichie de matériaux dramaturgiques divers (carnets intimes, romans, interviews…), l’écriture de ce « récit de la normalité malade » oscille entre réalisme et onirisme. Si les personnages et les situations proposés sont immédiatement reconnaissables et prennent appui sur le réel, tous contiennent une part de mystère et une dimension tragique. Dans un espace scénique très épuré où la vidéo est omniprésente, le spectateur est pris dans un flux de sensations et de rêveries qui l’interpellent sans cesse sur sa façon de regarder le monde et le renvoient à sa propre intimité. 

Lambda est la troisième création de la compagnie Moebius, collectif de comédiens issus de l’École nationale supérieure d’art dramatique de Montpellier en 2008.

Leïla Cossé, diffusion/production • moebius.diffusion@gmail.com
Sonia Marrec, administration de production
www.compagnie-moebius.com

Production: Compagnie Moebius
Coproductions : Théâtre de Nîmes, Scène conventionnée pour la danse contemporaine • Le Tricycle, Grenoble • L’Usine, lieu conventionné dédié aux arts de la rue, Tournefeuille –Toulouse Métropole
Soutiens : École nationale supérieure d’art dramatique de Montpellier Agglomération, Réseau en scène Languedoc-Roussillon 
Concours : Ministère de la Culture et de la Communication - Drac Languedoc-Roussillon • Région Languedoc-Roussillon • Ville de Montpellier 
Accueils en résidence : Le Pot au Noir, Rivoiranche • Le Tricycle, Grenoble • L’Usine, Tournefeuille • Théâtre des 13 vents, CDN Languedoc-Roussillon Montpellier • Le Périscope, Nîmes • Théâtre La Vignette, Montpellier 
Soutien Cyril Teste (Collectif MxM)

Mise en scène : Jonathan Moussalli
Assistants à la mise en scène : Marie Vauzelle, Sabine Moindrot et Jérémy Brunet
Comédiens : Julien Anselmino, Charlotte Daquet, Clélia David, Christophe Gaultier et Marie Vires
Création lumière : Lucas Delachaux
Création son : Grégoire Durrande
Création vidéo : Nicolas Dorémus

Programmé dans le cadre du Festival Hybrides

Compagnie Rictus

Warm est une performance acrobatique réalisée pour Edward Aleman et Wilmer Marquez qui développent depuis quinze ans un duo fait de portés, de main à main et d’équilibres. Warm est un dispositif qui les invite à mettre leur discipline acrobatique à l’épreuve de la chaleur et de la lumière. Sur les 40 minutes que dure la performance, les projecteurs, serrés sur des structures face à face, vont s’allumer, produisant une lumière insoutenable et une chaleur étouffante. Un mur de miroirs vibrants prolonge cette structure lumineuse. Deux corps d’hommes en contact, dans la chaleur, entre force et relâchements, écoute, étirements, équilibres, semi-nudité, transpiration, suspensions. Un parcours physique allant du simple échauffement à la surchauffe et jusqu’à l’épuisement. L’ennemi des acrobates peau à peau : la transpiration. Plus la chaleur augmente et plus ils se mettent à transpirer, la sueur perle et goutte par les pores de la peau rendant tout porté impossible. Au bout de 10 minutes, l’espace performatif atteint les 45°C. Les vêtements sont trempés, les corps fragilisés glissent, tombent, s’écroulent, se rattrapent, tentent de tenir malgré la chaleur écrasante. Ils sont accompagnés par la comédienne Séverine Ragaigne, micro à la bouche, disant un monologue, un poème sonore signé Ronan Chéneau. Une déclaration d’amour, un rêve de jeune femme, un fantasme sexuel. La chaleur l’accompagne elle aussi. C’est elle qui invoque la présence des deux acrobates, elle qui les pousse à tenir, elle qui cherche à assouvir jusqu’au bout son désir de corps, de peau, de sueur et de douleur.

Philippe Chamaux, direction de production, administration • les-independances@orange.fr
www.rictus-davidbobee.net
Production : Compagnie Rictus
Coproductions : Les Subsistances, Lyon • L’Hippodrome, Scène Nationale de Douai 
Remerciements : La Brèche, Pôle national des arts du cirque de Basse-Normandie 
Soutien : Conseil régional de Basse-Normandie • Conseil général du Calvados (ODACC) • Ville de Caen 
La Compagnie Rictus est conventionnée par le ministère de la Culture et de la Communication
David Bobee est artiste associé au Théâtre National de Chaillot, ainsi qu’à l’Hippodrome, Scène nationale de Douai. Il est collaborateur artistique du Théâtre Gogol de Moscou.

Installation et direction : David Bobee 
Texte : Ronan Chéneau
Avec : Edward Aleman, Wilmer Marquez (acrobates) et Séverine Ragaigne (actrice)
Création lumière et installation : Stéphane Babi Aubert 
Création musicale : Frédéric Deslias 
Construction : Salem Ben Belkacem 
Régie générale : Thomas Turpin
Assistante : Nina Chataigner

_{*Programmé dans le cadre du Festival Hybrides}

Compagnie Rictus

Warm est une performance acrobatique réalisée pour Edward Aleman et Wilmer Marquez qui développent depuis quinze ans un duo fait de portés, de main à main et d’équilibres. Warm est un dispositif qui les invite à mettre leur discipline acrobatique à l’épreuve de la chaleur et de la lumière. Sur les 40 minutes que dure la performance, les projecteurs, serrés sur des structures face à face, vont s’allumer, produisant une lumière insoutenable et une chaleur étouffante. Un mur de miroirs vibrants prolonge cette structure lumineuse. Deux corps d’hommes en contact, dans la chaleur, entre force et relâchements, écoute, étirements, équilibres, semi-nudité, transpiration, suspensions. Un parcours physique allant du simple échauffement à la surchauffe et jusqu’à l’épuisement. L’ennemi des acrobates peau à peau : la transpiration. Plus la chaleur augmente et plus ils se mettent à transpirer, la sueur perle et goutte par les pores de la peau rendant tout porté impossible. Au bout de 10 minutes, l’espace performatif atteint les 45°C. Les vêtements sont trempés, les corps fragilisés glissent, tombent, s’écroulent, se rattrapent, tentent de tenir malgré la chaleur écrasante. Ils sont accompagnés par la comédienne Séverine Ragaigne, micro à la bouche, disant un monologue, un poème sonore signé Ronan Chéneau. Une déclaration d’amour, un rêve de jeune femme, un fantasme sexuel. La chaleur l’accompagne elle aussi. C’est elle qui invoque la présence des deux acrobates, elle qui les pousse à tenir, elle qui cherche à assouvir jusqu’au bout son désir de corps, de peau, de sueur et de douleur.

Philippe Chamaux, direction de production, administration • les-independances@orange.fr
www.rictus-davidbobee.net
Production : Compagnie Rictus
Coproductions : Les Subsistances, Lyon • L’Hippodrome, Scène Nationale de Douai 
Remerciements : La Brèche, Pôle national des arts du cirque de Basse-Normandie 
Soutien : Conseil régional de Basse-Normandie • Conseil général du Calvados (ODACC) • Ville de Caen 
La Compagnie Rictus est conventionnée par le ministère de la Culture et de la Communication
David Bobee est artiste associé au Théâtre National de Chaillot, ainsi qu’à l’Hippodrome, Scène nationale de Douai. Il est collaborateur artistique du Théâtre Gogol de Moscou.

Installation et direction : David Bobee 
Texte : Ronan Chéneau
Avec : Edward Aleman, Wilmer Marquez (acrobates) et Séverine Ragaigne (actrice)
Création lumière et installation : Stéphane Babi Aubert 
Création musicale : Frédéric Deslias 
Construction : Salem Ben Belkacem 
Régie générale : Thomas Turpin
Assistante : Nina Chataigner

_{*Programmé dans le cadre du Festival Hybrides}

La soirée à ne pas manquer, le point final festif de ces rencontres IETM au Théâtre des 13 vents. Au programme: de la french touch avec les GAIA PROPHET DJ, DOCTEUR OLIVIER & NINOCASTER, un espace jardin extérieur et beaucoup de bonne humeur.

DR OLIVER & NINOCASTER
Anciens animateurs radios 10 ans durant,collectionneurs invétérés de disques de tous horizons, Dr Oliver et Ninocaster, proposeront pour cette soirée une ambiance zigzaguant entre easy-listening suave, psychédélisme fumant, funk ondulant et post-punk percutant. Un mélange foutraque et festif qui se fera à 4 mains, 2 casques et autant de platines.

GAÏA PROPHET
Habitué des platines et du mix depuis plusieurs années, ce DJ vous propose un set énergique, allant de l’Electro Swing à la Deep House. Il vous transportera dans des contrées diverses et inexplorées, là où la danse se transforme en transe, et où la musique devient un voyage intérieur. Venez de bonne humeur pour sautiller sur ses rythmes enjoués

DR OLIVER & NINOCASTER
Ancient radio hosts over 10 years, confirmed record collectors from everywhere, Dr Oliver & Ninocaster propose for this evening  an ambience combining easy-listening, psychedelia, funk and post-punk. A festive melting pot done by four hands, 2 headphones and several turntables. 

GAÏA PROPHET
Being in charge of turntables and mix for several years, this DJ offers an energetic set covering from Electro Swing to Deep House. He carries you to inexplored lands, where dance turns into trance and where music becomes an inner journey. Come in a good mood to enjoy his cheerful rhythms.

Dress code : TRANS

La soirée à ne pas manquer, le point final festif de ces rencontres IETM au Théâtre des 13 vents. Au programme: de la french touch avec les GAIA PROPHET DJ, DOCTEUR OLIVIER & NINOCASTER, un espace jardin extérieur et beaucoup de bonne humeur.

DR OLIVER & NINOCASTER
Anciens animateurs radios 10 ans durant,collectionneurs invétérés de disques de tous horizons, Dr Oliver et Ninocaster, proposeront pour cette soirée une ambiance zigzaguant entre easy-listening suave, psychédélisme fumant, funk ondulant et post-punk percutant. Un mélange foutraque et festif qui se fera à 4 mains, 2 casques et autant de platines.

GAÏA PROPHET
Habitué des platines et du mix depuis plusieurs années, ce DJ vous propose un set énergique, allant de l’Electro Swing à la Deep House. Il vous transportera dans des contrées diverses et inexplorées, là où la danse se transforme en transe, et où la musique devient un voyage intérieur. Venez de bonne humeur pour sautiller sur ses rythmes enjoués

DR OLIVER & NINOCASTER
Ancient radio hosts over 10 years, confirmed record collectors from everywhere, Dr Oliver & Ninocaster propose for this evening  an ambience combining easy-listening, psychedelia, funk and post-punk. A festive melting pot done by four hands, 2 headphones and several turntables. 

GAÏA PROPHET
Being in charge of turntables and mix for several years, this DJ offers an energetic set covering from Electro Swing to Deep House. He carries you to inexplored lands, where dance turns into trance and where music becomes an inner journey. Come in a good mood to enjoy his cheerful rhythms.

Dress code : TRANS

Vous allez participer à la réunion plénière de l’IETM : 

La ZAT - Zone Artistique Temporaire - vous donne rendez-vous samedi 19 avril de 20h à l’aube

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La ZAT – Zone Artistique Temporaire – est une manifestation artistique et culturelle de grande ampleur organisée deux fois par an, entre 2010 et 2020, dans l’espace public à Montpellier. L’objectif de ZAT : explorer à chaque édition un quartier de la ville, stimuler l’imaginaire urbain, inviter à voir et vivre la ville autrement. La programmation artistique est pluridisciplinaire (arts vivants, arts visuels, street art, performances), contextuelle et souvent participative. La ZAT cherche à s’adresser à la population dans sa diversité. Depuis 2010, plus de 200 spectacles et surprises, d’artistes français et internationaux, ont été présentés. Des centaines d’habitants sont impliqués dans les projets artistiques.

Une ZAT nature et nocturne
La 8e ZAT aura lieu samedi 19 avril, de 20h à l’aube, au Parc Malbosc, un vaste espace champêtre de plus de 30 hectares composé de garrigue, de prairies, d’oliviers, d’amandiers, de jardins familiaux, de chemins buissonniers...
Cette édition sera nature et nocturne. Invité principal, la Compagnie Carabosse, connue dans le monde entier pour sa maîtrise inventive des flammes, installe à Malbosc ses machines de feu les plus fantastiques. Également au programme : deux concerts (au crépuscule et à l’aube), de Piers Faccini, Entre chiens et loups, un duo fantaisiste de François Chaignaud et Jérôme Marin, Sous l’ombrelle, qui nous invite à une jouissive inversion des genres, une performance de Jordi Galì, Ciel, Jihad Darwiche nous conte La Nuit des mille et une Nuits, un concert de Dimoné, Carte noire, une performance poétique de NaTYoT et My Tiger Side, Bois, putes, oiseaux.

Programme complet disponible à l’accueil de l’IETM La ZAT est organisée par la Ville de Montpellier.
Directrice de la Culture et du Patrimoine : Valérie Astesano.
Directeur artistique des ZAT : Pascal Le Brun-Cordier.
Contacts professionnels : Fatiha Schlicht fatiha.SCHLICHT@ville-montpellier.fr +33 7 81 15 99 77
Présentation : zat.montpellier.fr
Films : http://vimeo.com/channels/zatmontpellier facebook.com/zat.montpellier

Vous allez participer à la réunion plénière de l’IETM : 

La ZAT - Zone Artistique Temporaire - vous donne rendez-vous samedi 19 avril de 20h à l’aube

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La ZAT – Zone Artistique Temporaire – est une manifestation artistique et culturelle de grande ampleur organisée deux fois par an, entre 2010 et 2020, dans l’espace public à Montpellier. L’objectif de ZAT : explorer à chaque édition un quartier de la ville, stimuler l’imaginaire urbain, inviter à voir et vivre la ville autrement. La programmation artistique est pluridisciplinaire (arts vivants, arts visuels, street art, performances), contextuelle et souvent participative. La ZAT cherche à s’adresser à la population dans sa diversité. Depuis 2010, plus de 200 spectacles et surprises, d’artistes français et internationaux, ont été présentés. Des centaines d’habitants sont impliqués dans les projets artistiques.

Une ZAT nature et nocturne
La 8e ZAT aura lieu samedi 19 avril, de 20h à l’aube, au Parc Malbosc, un vaste espace champêtre de plus de 30 hectares composé de garrigue, de prairies, d’oliviers, d’amandiers, de jardins familiaux, de chemins buissonniers...
Cette édition sera nature et nocturne. Invité principal, la Compagnie Carabosse, connue dans le monde entier pour sa maîtrise inventive des flammes, installe à Malbosc ses machines de feu les plus fantastiques. Également au programme : deux concerts (au crépuscule et à l’aube), de Piers Faccini, Entre chiens et loups, un duo fantaisiste de François Chaignaud et Jérôme Marin, Sous l’ombrelle, qui nous invite à une jouissive inversion des genres, une performance de Jordi Galì, Ciel, Jihad Darwiche nous conte La Nuit des mille et une Nuits, un concert de Dimoné, Carte noire, une performance poétique de NaTYoT et My Tiger Side, Bois, putes, oiseaux.

Programme complet disponible à l’accueil de l’IETM La ZAT est organisée par la Ville de Montpellier.
Directrice de la Culture et du Patrimoine : Valérie Astesano.
Directeur artistique des ZAT : Pascal Le Brun-Cordier.
Contacts professionnels : Fatiha Schlicht fatiha.SCHLICHT@ville-montpellier.fr +33 7 81 15 99 77
Présentation : zat.montpellier.fr
Films : http://vimeo.com/channels/zatmontpellier facebook.com/zat.montpellier