Un hommage aux hommes et aux femmes de Bergman.

Ingmar Bergman est né le 14 juillet 1918. Peu de réalisateurs ont su explorer la profondeur de l'être humain comme lui. Ses cauchemars ont inspiré plusieurs de ses films, dans lesquels l'espace et le temps s'effacent de la réalité. Bergman était principalement obnubilé par la religion, la mort et l'incapacité à communiquer. Mais ce qui était le plus important pour lui, c'était la communication en elle-même : sans elle, nous serions morts. Quelquefois, il semble que l'amour peut conduire à la rédemption, mais chaque fois que les personnages semblent s’en rendre compte, la lumière s’évanouit à l'écran. Bien qu'il s'intéressait à tous les êtres humains, Bergman n'a pas caché qu'il préférait travailler avec les femmes, affirmant qu'elles sont plus à même de jouer peut-être parce qu'elles sont davantage connectées à leurs pensées. La vérité est que les femmes de Bergman ne sont pas un mythe ; elles existent dans toute leur splendeur et leur complexité. Les références sont impressionnantes, tant par le nombre que par la difficulté d'analyser et d'interpréter chaque personnage. Je m'inspire de sa vision des choses, de ces hommes et de ces femmes étonnamment authentiques qui luttent sans cesse et solitairement avec eux-mêmes, et qui cherchent sans relâche à se comprendre et à comprendre les autres. • OR

Réservez vos billets

Tickets : 10 € / 12 € / 16 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Olga Roriz
Elle a suivi une formation à l’école de danse du Teatro Nacional de São Carlos ainsi qu’au Conservatoire national de danse de Lisbonne. Elle a travaillé avec le Ballet Gulbenkian de 1976 à 1992 en tant que première ballerine et chorégraphe. Par la suite, elle a assuré la direction artistique de la Compagnie de danse de Lisbonne et a fondé en 1995 la Compagnie Olga Roriz. Son répertoire dans les disciplines de la danse, du théâtre, de l'opéra et du cinéma comprend plus de 90 productions, ayant présenté, créé et refondu des pièces pour des compagnies nationales et internationales. Olga Roriz a reçu de nombreuses récompenses artistiques, mais elle a également obtenu l'Ordre du Prince Henri (2004). En 2017, elle reçoit un doctorat honorifique d'excellence artistique de l'Université d'Aveiro.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant. Vous pouvez acheter des places adaptées grâce à notre système de réservation.

Un trio d'hommes, une centaine de pneus et un DJ très charismatique sur scène.
Noite fait partie d'un cycle de projets intimes qui suscitent la remise en question de notre langage et de notre esthétique, et la recherche d'autres directions. Un nouveau pas dans les territoires sombres en quête de nouvelles lumières. Le travail poétique d'Al Berto n'a été que le déclic à l’origine des voyages des artistes dans des nuits différentes. Les abords, les débris, les trous noirs. L'énergie sauvage et chaotique et les émotions au bord de l'explosion.
« L'abîme est cette ligne claire entre la nuit et le crépuscule. »
- c'est la nuit
restons silencieux un moment
et oublions le temps
il est temps d'halluciner

Pour réserver votre ticket, veuillez envoyer un mail à a.carvalhosa@circolando.com.

Tickets : 5 €

Direction artistique : André Braga & Cláudia Figueiredo
Création : André Braga, Cláudia Figueiredo, Paulo Mota, Ricardo Machado
Direction : André Braga
Dramaturgie : Cláudia Figueiredo
Interprétation : André Braga, Paulo Mota, Ricardo Machado
DJ et édition sonore : André Pires
Création d’art plastique : André Braga, Nuno Brandão, Sandra Neves
Eclairage : Francisco Tavares Teles
Lumières : João Abreu
Scène et montage : Nuno Brandão
Production : Ana Carvalhosa (direction), Cláudia Santos
Co-production : Circolando, Teatro Municipal do Porto, São Luiz Teatro Municipal, Centro Cultural de Ílhavo
Résidence de création : Centro Cultural Gafanha da Nazaré, Teatro Municipal Campo Alegre

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

Réservez vos billets

Tickets : 7,50 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

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Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un trio d'hommes, une centaine de pneus et un DJ très charismatique sur scène.
Noite fait partie d'un cycle de projets intimes qui suscitent la remise en question de notre langage et de notre esthétique, et la recherche d'autres directions. Un nouveau pas dans les territoires sombres en quête de nouvelles lumières. Le travail poétique d'Al Berto n'a été que le déclic à l’origine des voyages des artistes dans des nuits différentes. Les abords, les débris, les trous noirs. L'énergie sauvage et chaotique et les émotions au bord de l'explosion.
« L'abîme est cette ligne claire entre la nuit et le crépuscule. »
- c'est la nuit
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et oublions le temps
il est temps d'halluciner

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Tickets : 5 €

Direction artistique : André Braga & Cláudia Figueiredo
Création : André Braga, Cláudia Figueiredo, Paulo Mota, Ricardo Machado
Direction : André Braga
Dramaturgie : Cláudia Figueiredo
Interprétation : André Braga, Paulo Mota, Ricardo Machado
DJ et édition sonore : André Pires
Création d’art plastique : André Braga, Nuno Brandão, Sandra Neves
Eclairage : Francisco Tavares Teles
Lumières : João Abreu
Scène et montage : Nuno Brandão
Production : Ana Carvalhosa (direction), Cláudia Santos
Co-production : Circolando, Teatro Municipal do Porto, São Luiz Teatro Municipal, Centro Cultural de Ílhavo
Résidence de création : Centro Cultural Gafanha da Nazaré, Teatro Municipal Campo Alegre

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un trio d'hommes, une centaine de pneus et un DJ très charismatique sur scène.
Noite fait partie d'un cycle de projets intimes qui suscitent la remise en question de notre langage et de notre esthétique, et la recherche d'autres directions. Un nouveau pas dans les territoires sombres en quête de nouvelles lumières. Le travail poétique d'Al Berto n'a été que le déclic à l’origine des voyages des artistes dans des nuits différentes. Les abords, les débris, les trous noirs. L'énergie sauvage et chaotique et les émotions au bord de l'explosion.
« L'abîme est cette ligne claire entre la nuit et le crépuscule. »
- c'est la nuit
restons silencieux un moment
et oublions le temps
il est temps d'halluciner

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Tickets : 5 €

Direction artistique : André Braga & Cláudia Figueiredo
Création : André Braga, Cláudia Figueiredo, Paulo Mota, Ricardo Machado
Direction : André Braga
Dramaturgie : Cláudia Figueiredo
Interprétation : André Braga, Paulo Mota, Ricardo Machado
DJ et édition sonore : André Pires
Création d’art plastique : André Braga, Nuno Brandão, Sandra Neves
Eclairage : Francisco Tavares Teles
Lumières : João Abreu
Scène et montage : Nuno Brandão
Production : Ana Carvalhosa (direction), Cláudia Santos
Co-production : Circolando, Teatro Municipal do Porto, São Luiz Teatro Municipal, Centro Cultural de Ílhavo
Résidence de création : Centro Cultural Gafanha da Nazaré, Teatro Municipal Campo Alegre

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Orlando reste toujours aussi attirant(e). Il/elle a trente-six ans depuis au moins un siècle. Est-il un homme ? Est-elle une femme ? Il/elle n'a aucun doute sur son sexe, et pourtant il/elle ne peut pas en être certain(e). Faisant le point sur sa vie de femme mariée et de poète publiée, Orlando écoute le son du vent dans les chênes, le même vent grâce auquel son mari a navigué jusqu'au Cap Horn. Le nuage d'humidité qui imprègne tout l’univers des années 1800 s'épaissit. Mais c'est durant le Grand hiver qu'il/elle était vraiment (vraiment ?) heureux(-se) et Orlando se prépare pour le retour du grand carnaval des glaces. Avec Luísa Costa Gomes comme dramaturge et Carlos Pimenta comme metteur en scène, A Grande Vaga de Frio (Le Grand hiver) évoque cette « biographie » de Virginia Woolf qui a été créée pour une figure caméléon éternellement jeune qui change de sexe et d'identité au gré de ses envies : un jeune noble des années 1500 qui vit pendant trois siècles, atteignant son apogée en tant qu'écrivain féminin à l'époque de Woolf. Orlando est une autre démonstration de la composition raffinée et de la plasticité confiante d'Emília Silvestre, s’inscrivant dans la lignée des éblouissants monologues et solos qui ont marqué la carrière de l’actrice d’Ensemble, de Baglady (2001) de Frank McGuinness à Winnie dans Happy Days (2013) de Beckett en passant par La voix humaine (2011) de Cocteau. La plus longue et incantatoire lettre d'amour dédiée à la littérature peut être lue une fois de plus sur scène, en gage  de l’amour porté à la libéralité théâtrale.

Réservez vos billets

Tickets : 10 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Traduit par Ana Luísa Faria (ed. Relógio D’Água)
Dramaturgie : Luísa Costa Gomes
Conçu et mis en scène par Carlos Pimenta
Musique : Ricardo Pinto (viola de gamba Xurxo Varela)
Costumes : Bernardo Monteiro
Lumières : Rui Monteiro
Vidéo : João Pedro Fonseca
Décors : Carlos Pimenta, João Pedro Fonseca
Assistant de production : Génesis Abigail
Distribution : Emília Silvestre
Co-produit par Ensemble - Société des acteurs, Centre culturel de Belém, TNSJ

Sous-titré en anglais

Ensemble
Ensemble est un lieu de recherche, de production et de formation théâtrale. Le projet s'articule autour de trois axes fondamentaux : les spectacles, un studio d'acteurs et des services de formation. Leurs prestations de haute qualité prennent la forme  de créations contemporaines, construites autour de textes issus d’un répertoire classique et moderne. Les spectacles offrent d'excellentes représentations pour les jeunes acteurs et encouragent la formation de nouveaux publics.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un hommage aux hommes et aux femmes de Bergman.

Ingmar Bergman est né le 14 juillet 1918. Peu de réalisateurs ont su explorer la profondeur de l'être humain comme lui. Ses cauchemars ont inspiré plusieurs de ses films, dans lesquels l'espace et le temps s'effacent de la réalité. Bergman était principalement obnubilé par la religion, la mort et l'incapacité à communiquer. Mais ce qui était le plus important pour lui, c'était la communication en elle-même : sans elle, nous serions morts. Quelquefois, il semble que l'amour peut conduire à la rédemption, mais chaque fois que les personnages semblent s’en rendre compte, la lumière s’évanouit à l'écran. Bien qu'il s'intéressait à tous les êtres humains, Bergman n'a pas caché qu'il préférait travailler avec les femmes, affirmant qu'elles sont plus à même de jouer peut-être parce qu'elles sont davantage connectées à leurs pensées. La vérité est que les femmes de Bergman ne sont pas un mythe ; elles existent dans toute leur splendeur et leur complexité. Les références sont impressionnantes, tant par le nombre que par la difficulté d'analyser et d'interpréter chaque personnage. Je m'inspire de sa vision des choses, de ces hommes et de ces femmes étonnamment authentiques qui luttent sans cesse et solitairement avec eux-mêmes, et qui cherchent sans relâche à se comprendre et à comprendre les autres. • OR

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Tickets : 10 € / 12 € / 16 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Olga Roriz
Elle a suivi une formation à l’école de danse du Teatro Nacional de São Carlos ainsi qu’au Conservatoire national de danse de Lisbonne. Elle a travaillé avec le Ballet Gulbenkian de 1976 à 1992 en tant que première ballerine et chorégraphe. Par la suite, elle a assuré la direction artistique de la Compagnie de danse de Lisbonne et a fondé en 1995 la Compagnie Olga Roriz. Son répertoire dans les disciplines de la danse, du théâtre, de l'opéra et du cinéma comprend plus de 90 productions, ayant présenté, créé et refondu des pièces pour des compagnies nationales et internationales. Olga Roriz a reçu de nombreuses récompenses artistiques, mais elle a également obtenu l'Ordre du Prince Henri (2004). En 2017, elle reçoit un doctorat honorifique d'excellence artistique de l'Université d'Aveiro.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant. Vous pouvez acheter des places adaptées grâce à notre système de réservation.

Orlando reste toujours aussi attirant(e). Il/elle a trente-six ans depuis au moins un siècle. Est-il un homme ? Est-elle une femme ? Il/elle n'a aucun doute sur son sexe, et pourtant il/elle ne peut pas en être certain(e). Faisant le point sur sa vie de femme mariée et de poète publiée, Orlando écoute le son du vent dans les chênes, le même vent grâce auquel son mari a navigué jusqu'au Cap Horn. Le nuage d'humidité qui imprègne tout l’univers des années 1800 s'épaissit. Mais c'est durant le Grand hiver qu'il/elle était vraiment (vraiment ?) heureux(-se) et Orlando se prépare pour le retour du grand carnaval des glaces. Avec Luísa Costa Gomes comme dramaturge et Carlos Pimenta comme metteur en scène, A Grande Vaga de Frio (Le Grand hiver) évoque cette « biographie » de Virginia Woolf qui a été créée pour une figure caméléon éternellement jeune qui change de sexe et d'identité au gré de ses envies : un jeune noble des années 1500 qui vit pendant trois siècles, atteignant son apogée en tant qu'écrivain féminin à l'époque de Woolf. Orlando est une autre démonstration de la composition raffinée et de la plasticité confiante d'Emília Silvestre, s’inscrivant dans la lignée des éblouissants monologues et solos qui ont marqué la carrière de l’actrice d’Ensemble, de Baglady (2001) de Frank McGuinness à Winnie dans Happy Days (2013) de Beckett en passant par La voix humaine (2011) de Cocteau. La plus longue et incantatoire lettre d'amour dédiée à la littérature peut être lue une fois de plus sur scène, en gage  de l’amour porté à la libéralité théâtrale.

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Tickets : 10 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Traduit par Ana Luísa Faria (ed. Relógio D’Água)
Dramaturgie : Luísa Costa Gomes
Conçu et mis en scène par Carlos Pimenta
Musique : Ricardo Pinto (viola de gamba Xurxo Varela)
Costumes : Bernardo Monteiro
Lumières : Rui Monteiro
Vidéo : João Pedro Fonseca
Décors : Carlos Pimenta, João Pedro Fonseca
Assistant de production : Génesis Abigail
Distribution : Emília Silvestre
Co-produit par Ensemble - Société des acteurs, Centre culturel de Belém, TNSJ

Sous-titré en anglais

Ensemble
Ensemble est un lieu de recherche, de production et de formation théâtrale. Le projet s'articule autour de trois axes fondamentaux : les spectacles, un studio d'acteurs et des services de formation. Leurs prestations de haute qualité prennent la forme  de créations contemporaines, construites autour de textes issus d’un répertoire classique et moderne. Les spectacles offrent d'excellentes représentations pour les jeunes acteurs et encouragent la formation de nouveaux publics.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un hommage aux hommes et aux femmes de Bergman.

Ingmar Bergman est né le 14 juillet 1918. Peu de réalisateurs ont su explorer la profondeur de l'être humain comme lui. Ses cauchemars ont inspiré plusieurs de ses films, dans lesquels l'espace et le temps s'effacent de la réalité. Bergman était principalement obnubilé par la religion, la mort et l'incapacité à communiquer. Mais ce qui était le plus important pour lui, c'était la communication en elle-même : sans elle, nous serions morts. Quelquefois, il semble que l'amour peut conduire à la rédemption, mais chaque fois que les personnages semblent s’en rendre compte, la lumière s’évanouit à l'écran. Bien qu'il s'intéressait à tous les êtres humains, Bergman n'a pas caché qu'il préférait travailler avec les femmes, affirmant qu'elles sont plus à même de jouer peut-être parce qu'elles sont davantage connectées à leurs pensées. La vérité est que les femmes de Bergman ne sont pas un mythe ; elles existent dans toute leur splendeur et leur complexité. Les références sont impressionnantes, tant par le nombre que par la difficulté d'analyser et d'interpréter chaque personnage. Je m'inspire de sa vision des choses, de ces hommes et de ces femmes étonnamment authentiques qui luttent sans cesse et solitairement avec eux-mêmes, et qui cherchent sans relâche à se comprendre et à comprendre les autres. • OR

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Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Olga Roriz
Elle a suivi une formation à l’école de danse du Teatro Nacional de São Carlos ainsi qu’au Conservatoire national de danse de Lisbonne. Elle a travaillé avec le Ballet Gulbenkian de 1976 à 1992 en tant que première ballerine et chorégraphe. Par la suite, elle a assuré la direction artistique de la Compagnie de danse de Lisbonne et a fondé en 1995 la Compagnie Olga Roriz. Son répertoire dans les disciplines de la danse, du théâtre, de l'opéra et du cinéma comprend plus de 90 productions, ayant présenté, créé et refondu des pièces pour des compagnies nationales et internationales. Olga Roriz a reçu de nombreuses récompenses artistiques, mais elle a également obtenu l'Ordre du Prince Henri (2004). En 2017, elle reçoit un doctorat honorifique d'excellence artistique de l'Université d'Aveiro.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant. Vous pouvez acheter des places adaptées grâce à notre système de réservation.

Une représentation des relations, des liens et des interactions entre les expériences individuelles et collectives relatives à des situations d'urgence.
Enchente [Inondation] est une pièce qui met en scène la façon dont les foules se comportent physiquement en période d'anxiété ou d'excitation, ou bien dans des situations d'urgence ou de panique. Cette pièce examine les mouvements et la physicalité du corps, non seulement par rapport à son expérience subjective (une sorte de version nerveuse de la petite danse de Steve Paxton), mais aussi et surtout au sein du groupe. Il traite des constellations spatiales, des parcours et des trajectoires qui tendent à apparaître dans les foules lors de situations déstabilisantes (les catastrophes, les attaques ou les émeutes, mais aussi les concerts, les raves ou le Black friday). Comment puis-je me sauver ? Comment puis-je m'aider ? Comment puis-je aider les autres ? Comment puis-je me sauver et aider les autres en même temps ? Ces tâches permettent d'analyser les procédés de prise de décision, les critères d'évaluation du risque potentiel ainsi que la nécessité d'agir ou d'intervenir. Les mécanismes politiques qui permettent de percevoir la vulnérabilité et la nécessité de prendre soin de l'autre sont importants. La danse apparaît comme un élément à part entière, qui résulte de la nécessité de créer à la fois intimité et distance : distance lorsque l’on agit comme voyeur et qu’on observe les interactions pour pouvoir prendre des décisions ; intimité lorsqu'il est question du mouvement et de la danse produite par le corps. • LS

Réservez vos billets

Tickets : 7,50 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Luísa Saraiva
En 2010, elle a obtenu une maîtrise en psychologie de l'Université de Porto et a rejoint la Porto Alegre Dance Company (Brésil) et la Mark Sieczkarek Company (Wuppertal, Allemagne) grâce à une bourse obtenue dans le cadre du programme INOV-Art. En 2015, elle obtient un diplôme de danse à la Folkwang Universität d'Essen (Allemagne). En tant que comédienne, elle a travaillé avec des artistes comme Alexandra Pirici, Ben J. Riepe, Catarina Miranda, Jonathan Saldanha, Susanne Linke et Jorge Puerta Armenta. Une version embryonnaire d'Enchente (Inondation) a été sélectionnée pour le concours Danse Élargie en juin 2016. En 2017, elle bénéficie d’une bourse accordée par le ministère de la Culture et des Sciences du Land de Rhénanie-du-Nord-Westphalie (Allemagne) dans le cadre du Programme d'aide individuelle au développement artistique.

Un service de navette gratuit sera disponible. Le bus démarrera du Centro Português de Fotografia vers le Cineteatro Constantino Nery à 18h15. Le retour est prévu à 20h10 depuis le Cineteatro Constantino Nery jusqu’au Teatro Municipal do Porto - Rivoli. N'oubliez pas de vous munir de votre badge IETM.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Une représentation des relations, des liens et des interactions entre les expériences individuelles et collectives relatives à des situations d'urgence.
Enchente [Inondation] est une pièce qui met en scène la façon dont les foules se comportent physiquement en période d'anxiété ou d'excitation, ou bien dans des situations d'urgence ou de panique. Cette pièce examine les mouvements et la physicalité du corps, non seulement par rapport à son expérience subjective (une sorte de version nerveuse de la petite danse de Steve Paxton), mais aussi et surtout au sein du groupe. Il traite des constellations spatiales, des parcours et des trajectoires qui tendent à apparaître dans les foules lors de situations déstabilisantes (les catastrophes, les attaques ou les émeutes, mais aussi les concerts, les raves ou le Black friday). Comment puis-je me sauver ? Comment puis-je m'aider ? Comment puis-je aider les autres ? Comment puis-je me sauver et aider les autres en même temps ? Ces tâches permettent d'analyser les procédés de prise de décision, les critères d'évaluation du risque potentiel ainsi que la nécessité d'agir ou d'intervenir. Les mécanismes politiques qui permettent de percevoir la vulnérabilité et la nécessité de prendre soin de l'autre sont importants. La danse apparaît comme un élément à part entière, qui résulte de la nécessité de créer à la fois intimité et distance : distance lorsque l’on agit comme voyeur et qu’on observe les interactions pour pouvoir prendre des décisions ; intimité lorsqu'il est question du mouvement et de la danse produite par le corps. • LS

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Luísa Saraiva
En 2010, elle a obtenu une maîtrise en psychologie de l'Université de Porto et a rejoint la Porto Alegre Dance Company (Brésil) et la Mark Sieczkarek Company (Wuppertal, Allemagne) grâce à une bourse obtenue dans le cadre du programme INOV-Art. En 2015, elle obtient un diplôme de danse à la Folkwang Universität d'Essen (Allemagne). En tant que comédienne, elle a travaillé avec des artistes comme Alexandra Pirici, Ben J. Riepe, Catarina Miranda, Jonathan Saldanha, Susanne Linke et Jorge Puerta Armenta. Une version embryonnaire d'Enchente (Inondation) a été sélectionnée pour le concours Danse Élargie en juin 2016. En 2017, elle bénéficie d’une bourse accordée par le ministère de la Culture et des Sciences du Land de Rhénanie-du-Nord-Westphalie (Allemagne) dans le cadre du Programme d'aide individuelle au développement artistique.

Un service de navette gratuit sera disponible. Le bus démarrera du Centro Português de Fotografia vers le Cineteatro Constantino Nery à 18h15. Le retour est prévu à 20h10 depuis le Cineteatro Constantino Nery jusqu’au Teatro Municipal do Porto - Rivoli. N'oubliez pas de vous munir de votre badge IETM.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

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Tickets : 7,50 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

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Tickets : 7,50 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Ô Jour lève-toi, les atomes dansent
Grâce à Lui, l'univers danse
Les âmes dansent, triomphant avec extase.
Je murmurerai dans ton oreille où cette danse les mène.
Tous les atomes dans l'air et le désert le savent bien, ils semblent fous.
Chaque atome, heureux ou misérable, tombe amoureux du soleil, dont rien ne peut être dit.
     - Jalāl ad-Dīn Rūmī

Comment survivre dans un groupe ?
C'est la question qui m' a immédiatement interpellé en regardant les danseurs de la Carte Blanche. Ce qui m’est ensuite apparu comme une évidence était la forme d'un cercle, qui restait représenté tout au long, comme s'il exprimait une intention indépendante. Nous tournons sur notre propre axe, en orbitant autour des autres, tournoyant, tourbillonnant et virevoltant jusqu'à l'épuisement ou l'intoxication, tournant sans fin. Alors, comment pouvons-nous établir un cap, le maintenir, jouer notre rôle, rester concentrés et nous laisser porter au milieu de ce tourbillon sans commencement ni fin ? • BO

Réservez vos billets

Tickets : 10 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Bouchra Ouizguen
Danseuse et chorégraphe, Bouchra est née à Ouarzazate, la ville à l’orée du grand désert marocain. Elle vit et travaille aujourd'hui à Marrakech, où elle a contribué depuis 1998 au développement de la communauté de danse locale et monté plusieurs spectacles expérimentaux. L'intérêt de Bouchra pour la société ainsi que pour l'art visuel et populaire dans son pays alimente ses œuvres. Elle a reçu plusieurs prix pour sa chorégraphie et a produit des spectacles pour plusieurs festivals renommés. Elle a reçu le Prix Nouveau Talent Chorégraphie (2010) de la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques de France (SACD) et le Prix Spécial du Jury de l’Association de la Critique de théâtre, musique et danse pour sa « Madame Plaza » libératrice, où elle a partagé la scène avec trois artistes issus de la tradition du cabaret Aïta, avec ses chants et ses danses.

L’IETM Porto a été rendu possible grâce au fait que ses dates coïncident avec le festival Dias Da Dança. Ainsi, nous avons exceptionnellement accepté d'intégrer l'ensemble du programme du week-end d'ouverture de DDD dans le programme artistique de la réunion y compris trois représentations non portugaises.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Ô Jour lève-toi, les atomes dansent
Grâce à Lui, l'univers danse
Les âmes dansent, triomphant avec extase.
Je murmurerai dans ton oreille où cette danse les mène.
Tous les atomes dans l'air et le désert le savent bien, ils semblent fous.
Chaque atome, heureux ou misérable, tombe amoureux du soleil, dont rien ne peut être dit.
     - Jalāl ad-Dīn Rūmī

Comment survivre dans un groupe ?
C'est la question qui m' a immédiatement interpellé en regardant les danseurs de la Carte Blanche. Ce qui m’est ensuite apparu comme une évidence était la forme d'un cercle, qui restait représenté tout au long, comme s'il exprimait une intention indépendante. Nous tournons sur notre propre axe, en orbitant autour des autres, tournoyant, tourbillonnant et virevoltant jusqu'à l'épuisement ou l'intoxication, tournant sans fin. Alors, comment pouvons-nous établir un cap, le maintenir, jouer notre rôle, rester concentrés et nous laisser porter au milieu de ce tourbillon sans commencement ni fin ? • BO

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Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Bouchra Ouizguen
Danseuse et chorégraphe, Bouchra est née à Ouarzazate, la ville à l’orée du grand désert marocain. Elle vit et travaille aujourd'hui à Marrakech, où elle a contribué depuis 1998 au développement de la communauté de danse locale et monté plusieurs spectacles expérimentaux. L'intérêt de Bouchra pour la société ainsi que pour l'art visuel et populaire dans son pays alimente ses œuvres. Elle a reçu plusieurs prix pour sa chorégraphie et a produit des spectacles pour plusieurs festivals renommés. Elle a reçu le Prix Nouveau Talent Chorégraphie (2010) de la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques de France (SACD) et le Prix Spécial du Jury de l’Association de la Critique de théâtre, musique et danse pour sa « Madame Plaza » libératrice, où elle a partagé la scène avec trois artistes issus de la tradition du cabaret Aïta, avec ses chants et ses danses.

L’IETM Porto a été rendu possible grâce au fait que ses dates coïncident avec le festival Dias Da Dança. Ainsi, nous avons exceptionnellement accepté d'intégrer l'ensemble du programme du week-end d'ouverture de DDD dans le programme artistique de la réunion y compris trois représentations non portugaises.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

Réservez vos billets

Tickets : 7,50 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Un solo qui met en avant une série d'études où j'ai l'intention d'analyser et de documenter la valeur de mon corps en pleine interprétation.

Dans The Lonely Tasks, je me suis assigné des tâches simples, que j'ai déjà assimilées, accomplies dans un environnement aseptique, pour que mon corps réagisse et se mette en scène : manger, nettoyer, soigner la peau, tricoter, faire de l'activité physique, etc. En considérant la performance comme un système dynamique, je me concentre sur la relation avec le public/ceux qui regardent, et j'essaie de me tenir là et de comprendre cette interdépendance : comédien-public; comédien-espace ; comédien-temps ; etc. Il s’agit aussi de responsabilité. Mon corps. Le corps du comédien. Le comédien en tant que corps. Le corps en tant que comédien. Réaliser une performance avec ou sans le corps. Le corps au sein de la performance. La performance du corps. • MA

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Mara Andrade
Entre médecine et danse, Mara Andrade puise son inspiration dans la physicalité des états émotionnels mais aussi dans la manière de les transformer. En 2012, elle crée Uma Pequena Morte e Psicanálise (Une Petite Mort et Psychanalyse). En 2013, elle a représenté le Portugal avec Oxitocina (Ocytocine) lors de la 6e Biennale des jeunes créateurs à Salvador de Bahia, et elle a également co-produit Por minha culpa, minha tão grande culpa (Oui, J'ai Vraiment Péché) avec Marco da Silva Ferreira. De 2014 à 2015, elle crée le solo Um Triste Ensaio sobre a Beleza (Un Triste Essai sur la Beauté) qui a été interprété pour la première fois le 4 octobre 2015 au Teatro do Campo Alegre, à Porto.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

Orlando reste toujours aussi attirant(e). Il/elle a trente-six ans depuis au moins un siècle. Est-il un homme ? Est-elle une femme ? Il/elle n'a aucun doute sur son sexe, et pourtant il/elle ne peut pas en être certain(e). Faisant le point sur sa vie de femme mariée et de poète publiée, Orlando écoute le son du vent dans les chênes, le même vent grâce auquel son mari a navigué jusqu'au Cap Horn. Le nuage d'humidité qui imprègne tout l’univers des années 1800 s'épaissit. Mais c'est durant le Grand hiver qu'il/elle était vraiment (vraiment ?) heureux(-se) et Orlando se prépare pour le retour du grand carnaval des glaces. Avec Luísa Costa Gomes comme dramaturge et Carlos Pimenta comme metteur en scène, A Grande Vaga de Frio (Le Grand hiver) évoque cette « biographie » de Virginia Woolf qui a été créée pour une figure caméléon éternellement jeune qui change de sexe et d'identité au gré de ses envies : un jeune noble des années 1500 qui vit pendant trois siècles, atteignant son apogée en tant qu'écrivain féminin à l'époque de Woolf. Orlando est une autre démonstration de la composition raffinée et de la plasticité confiante d'Emília Silvestre, s’inscrivant dans la lignée des éblouissants monologues et solos qui ont marqué la carrière de l’actrice d’Ensemble, de Baglady (2001) de Frank McGuinness à Winnie dans Happy Days (2013) de Beckett en passant par La voix humaine (2011) de Cocteau. La plus longue et incantatoire lettre d'amour dédiée à la littérature peut être lue une fois de plus sur scène, en gage  de l’amour porté à la libéralité théâtrale.

Réservez vos billets

Tickets : 10 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Traduit par Ana Luísa Faria (ed. Relógio D’Água)
Dramaturgie : Luísa Costa Gomes
Conçu et mis en scène par Carlos Pimenta
Musique : Ricardo Pinto (viola de gamba Xurxo Varela)
Costumes : Bernardo Monteiro
Lumières : Rui Monteiro
Vidéo : João Pedro Fonseca
Décors : Carlos Pimenta, João Pedro Fonseca
Assistant de production : Génesis Abigail
Distribution : Emília Silvestre
Co-produit par Ensemble - Société des acteurs, Centre culturel de Belém, TNSJ

Sous-titré en anglais

Ensemble
Ensemble est un lieu de recherche, de production et de formation théâtrale. Le projet s'articule autour de trois axes fondamentaux : les spectacles, un studio d'acteurs et des services de formation. Leurs prestations de haute qualité prennent la forme  de créations contemporaines, construites autour de textes issus d’un répertoire classique et moderne. Les spectacles offrent d'excellentes représentations pour les jeunes acteurs et encouragent la formation de nouveaux publics.

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Orlando reste toujours aussi attirant(e). Il/elle a trente-six ans depuis au moins un siècle. Est-il un homme ? Est-elle une femme ? Il/elle n'a aucun doute sur son sexe, et pourtant il/elle ne peut pas en être certain(e). Faisant le point sur sa vie de femme mariée et de poète publiée, Orlando écoute le son du vent dans les chênes, le même vent grâce auquel son mari a navigué jusqu'au Cap Horn. Le nuage d'humidité qui imprègne tout l’univers des années 1800 s'épaissit. Mais c'est durant le Grand hiver qu'il/elle était vraiment (vraiment ?) heureux(-se) et Orlando se prépare pour le retour du grand carnaval des glaces. Avec Luísa Costa Gomes comme dramaturge et Carlos Pimenta comme metteur en scène, A Grande Vaga de Frio (Le Grand hiver) évoque cette « biographie » de Virginia Woolf qui a été créée pour une figure caméléon éternellement jeune qui change de sexe et d'identité au gré de ses envies : un jeune noble des années 1500 qui vit pendant trois siècles, atteignant son apogée en tant qu'écrivain féminin à l'époque de Woolf. Orlando est une autre démonstration de la composition raffinée et de la plasticité confiante d'Emília Silvestre, s’inscrivant dans la lignée des éblouissants monologues et solos qui ont marqué la carrière de l’actrice d’Ensemble, de Baglady (2001) de Frank McGuinness à Winnie dans Happy Days (2013) de Beckett en passant par La voix humaine (2011) de Cocteau. La plus longue et incantatoire lettre d'amour dédiée à la littérature peut être lue une fois de plus sur scène, en gage  de l’amour porté à la libéralité théâtrale.

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Traduit par Ana Luísa Faria (ed. Relógio D’Água)
Dramaturgie : Luísa Costa Gomes
Conçu et mis en scène par Carlos Pimenta
Musique : Ricardo Pinto (viola de gamba Xurxo Varela)
Costumes : Bernardo Monteiro
Lumières : Rui Monteiro
Vidéo : João Pedro Fonseca
Décors : Carlos Pimenta, João Pedro Fonseca
Assistant de production : Génesis Abigail
Distribution : Emília Silvestre
Co-produit par Ensemble - Société des acteurs, Centre culturel de Belém, TNSJ

Sous-titré en anglais

Ensemble
Ensemble est un lieu de recherche, de production et de formation théâtrale. Le projet s'articule autour de trois axes fondamentaux : les spectacles, un studio d'acteurs et des services de formation. Leurs prestations de haute qualité prennent la forme  de créations contemporaines, construites autour de textes issus d’un répertoire classique et moderne. Les spectacles offrent d'excellentes représentations pour les jeunes acteurs et encouragent la formation de nouveaux publics.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.

La couleur rouge est la matérialisation des pensées entre amour et rage. Dans minor matter, la chorégraphe dominicaine-américaine Ligia Lewis présente la deuxième partie d'un triptyque (bleu, rouge, blanc) pour trois danseurs. Deux dispositifs discursifs sont en jeu : le noir et la boîte noire. L'œuvre est présentée en rouge et se déploie de façon multidirectionnelle, créant une poétique de dissonance à partir de laquelle émergent des questions de représentation, de présentation, d'abstraction ainsi que les limites de la signification, du sens. Tout au long de la chorégraphie, les comédiens poussent leur corps jusqu'aux bords de la scène tout en illustrant une relation humble entre leur corps et l'espace qui les englobe pour aborder la matière - le noir. Tout au long de la chorégraphie, les comédiens poussent leur corps jusqu'aux bords de la scène tout en illustrant une relation humble entre leur corps et l'espace qui les englobe, pour aborder la matière - le noir. Dans minor matter, le son traverse les époques musicales pour arriver à la poétique du présent intime. Les composantes du théâtre - lumière, son, image et architecture - construites selon la logique de l'interdépendance, s'entremêlent avec les trois comédiens, donnant ainsi vie à un espace social et poétique vibrant. C'est dans ce monde « noirci » que la chorégraphie de Lewis prend vie.

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Tickets : 10 €
Veillez à imprimer vos billets à l'avance : les versions électroniques ne seront pas acceptées à l’entrée.

Ligia Lewis
Elle travaille comme danseuse, interprète et chorégraphe. Son travail a été présenté dans de multiples endroits, dont le théâtre, les musées et les galeries. Sa chorégraphie, qui associe l'affect, l'empathie et le sensible, prend en compte les inscriptions sociales du corps tout en stimulant ses nuances et ses potentialités. En tant que danseuse, Lewis s'est produite en spectacle et a effectué de nombreuses tournées pour des artistes comme Ariel Efraim Ashbel, Mette Ingvartsen et Eszter Salamon. Elle a collaboré avec l'artiste plasticienne Wu Tsang, avec le musicien Twin Shadow ainsi qu’avec le collectif DJ NON Worldwide. Elle a récemment été couronnée du prix Bessie Award de la Meilleure Production pour son œuvre minor matter (2017).

L’IETM Porto a été rendu possible grâce au fait que ses dates coïncident avec le festival Dias Da Dança. Ainsi, nous avons exceptionnellement accepté d'intégrer l'ensemble du programme du week-end d'ouverture de DDD dans le programme artistique de la réunion, y compris trois représentations non portugaises.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.​​​​​​​

La couleur rouge est la matérialisation des pensées entre amour et rage. Dans minor matter, la chorégraphe dominicaine-américaine Ligia Lewis présente la deuxième partie d'un triptyque (bleu, rouge, blanc) pour trois danseurs. Deux dispositifs discursifs sont en jeu : le noir et la boîte noire. L'œuvre est présentée en rouge et se déploie de façon multidirectionnelle, créant une poétique de dissonance à partir de laquelle émergent des questions de représentation, de présentation, d'abstraction ainsi que les limites de la signification, du sens. Tout au long de la chorégraphie, les comédiens poussent leur corps jusqu'aux bords de la scène tout en illustrant une relation humble entre leur corps et l'espace qui les englobe pour aborder la matière - le noir. Tout au long de la chorégraphie, les comédiens poussent leur corps jusqu'aux bords de la scène tout en illustrant une relation humble entre leur corps et l'espace qui les englobe, pour aborder la matière - le noir. Dans minor matter, le son traverse les époques musicales pour arriver à la poétique du présent intime. Les composantes du théâtre - lumière, son, image et architecture - construites selon la logique de l'interdépendance, s'entremêlent avec les trois comédiens, donnant ainsi vie à un espace social et poétique vibrant. C'est dans ce monde « noirci » que la chorégraphie de Lewis prend vie.

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Ligia Lewis
Elle travaille comme danseuse, interprète et chorégraphe. Son travail a été présenté dans de multiples endroits, dont le théâtre, les musées et les galeries. Sa chorégraphie, qui associe l'affect, l'empathie et le sensible, prend en compte les inscriptions sociales du corps tout en stimulant ses nuances et ses potentialités. En tant que danseuse, Lewis s'est produite en spectacle et a effectué de nombreuses tournées pour des artistes comme Ariel Efraim Ashbel, Mette Ingvartsen et Eszter Salamon. Elle a collaboré avec l'artiste plasticienne Wu Tsang, avec le musicien Twin Shadow ainsi qu’avec le collectif DJ NON Worldwide. Elle a récemment été couronnée du prix Bessie Award de la Meilleure Production pour son œuvre minor matter (2017).

L’IETM Porto a été rendu possible grâce au fait que ses dates coïncident avec le festival Dias Da Dança. Ainsi, nous avons exceptionnellement accepté d'intégrer l'ensemble du programme du week-end d'ouverture de DDD dans le programme artistique de la réunion, y compris trois représentations non portugaises.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant.​​​​​​​

Un hommage aux hommes et aux femmes de Bergman.

Ingmar Bergman est né le 14 juillet 1918. Peu de réalisateurs ont su explorer la profondeur de l'être humain comme lui. Ses cauchemars ont inspiré plusieurs de ses films, dans lesquels l'espace et le temps s'effacent de la réalité. Bergman était principalement obnubilé par la religion, la mort et l'incapacité à communiquer. Mais ce qui était le plus important pour lui, c'était la communication en elle-même : sans elle, nous serions morts. Quelquefois, il semble que l'amour peut conduire à la rédemption, mais chaque fois que les personnages semblent s’en rendre compte, la lumière s’évanouit à l'écran. Bien qu'il s'intéressait à tous les êtres humains, Bergman n'a pas caché qu'il préférait travailler avec les femmes, affirmant qu'elles sont plus à même de jouer peut-être parce qu'elles sont davantage connectées à leurs pensées. La vérité est que les femmes de Bergman ne sont pas un mythe ; elles existent dans toute leur splendeur et leur complexité. Les références sont impressionnantes, tant par le nombre que par la difficulté d'analyser et d'interpréter chaque personnage. Je m'inspire de sa vision des choses, de ces hommes et de ces femmes étonnamment authentiques qui luttent sans cesse et solitairement avec eux-mêmes, et qui cherchent sans relâche à se comprendre et à comprendre les autres. • OR

Réservez vos billets

Tickets : 10 € / 12 € / 16 €
Make sure to print your tickets in advance: electronic versions will not be accepted at the venues.

Olga Roriz
Elle a suivi une formation à l’école de danse du Teatro Nacional de São Carlos ainsi qu’au Conservatoire national de danse de Lisbonne. Elle a travaillé avec le Ballet Gulbenkian de 1976 à 1992 en tant que première ballerine et chorégraphe. Par la suite, elle a assuré la direction artistique de la Compagnie de danse de Lisbonne et a fondé en 1995 la Compagnie Olga Roriz. Son répertoire dans les disciplines de la danse, du théâtre, de l'opéra et du cinéma comprend plus de 90 productions, ayant présenté, créé et refondu des pièces pour des compagnies nationales et internationales. Olga Roriz a reçu de nombreuses récompenses artistiques, mais elle a également obtenu l'Ordre du Prince Henri (2004). En 2017, elle reçoit un doctorat honorifique d'excellence artistique de l'Université d'Aveiro.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant. Vous pouvez acheter des places adaptées grâce à notre système de réservation.

Un hommage aux hommes et aux femmes de Bergman.

Ingmar Bergman est né le 14 juillet 1918. Peu de réalisateurs ont su explorer la profondeur de l'être humain comme lui. Ses cauchemars ont inspiré plusieurs de ses films, dans lesquels l'espace et le temps s'effacent de la réalité. Bergman était principalement obnubilé par la religion, la mort et l'incapacité à communiquer. Mais ce qui était le plus important pour lui, c'était la communication en elle-même : sans elle, nous serions morts. Quelquefois, il semble que l'amour peut conduire à la rédemption, mais chaque fois que les personnages semblent s’en rendre compte, la lumière s’évanouit à l'écran. Bien qu'il s'intéressait à tous les êtres humains, Bergman n'a pas caché qu'il préférait travailler avec les femmes, affirmant qu'elles sont plus à même de jouer peut-être parce qu'elles sont davantage connectées à leurs pensées. La vérité est que les femmes de Bergman ne sont pas un mythe ; elles existent dans toute leur splendeur et leur complexité. Les références sont impressionnantes, tant par le nombre que par la difficulté d'analyser et d'interpréter chaque personnage. Je m'inspire de sa vision des choses, de ces hommes et de ces femmes étonnamment authentiques qui luttent sans cesse et solitairement avec eux-mêmes, et qui cherchent sans relâche à se comprendre et à comprendre les autres. • OR

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Olga Roriz
Elle a suivi une formation à l’école de danse du Teatro Nacional de São Carlos ainsi qu’au Conservatoire national de danse de Lisbonne. Elle a travaillé avec le Ballet Gulbenkian de 1976 à 1992 en tant que première ballerine et chorégraphe. Par la suite, elle a assuré la direction artistique de la Compagnie de danse de Lisbonne et a fondé en 1995 la Compagnie Olga Roriz. Son répertoire dans les disciplines de la danse, du théâtre, de l'opéra et du cinéma comprend plus de 90 productions, ayant présenté, créé et refondu des pièces pour des compagnies nationales et internationales. Olga Roriz a reçu de nombreuses récompenses artistiques, mais elle a également obtenu l'Ordre du Prince Henri (2004). En 2017, elle reçoit un doctorat honorifique d'excellence artistique de l'Université d'Aveiro.

Ce lieu est entièrement accessible aux personnes en fauteuil roulant. Vous pouvez acheter des places adaptées grâce à notre système de réservation.